Quando duas pessoas se reúnem em uma sala para falar sobre coisas como adultos, o que acontece na maioria dos padrões; se tudo der certo, ambos os indivíduos apertam as mãos e voltam para o mundo com um sorriso no rosto e uma razão a menos para se preocupar.
No entanto, no mundo do cinema, quando você vê uma cena de diálogo pesado chegando, você sabe que está prestes a ir para baixo.
Ao contrário do mundo real, dois indivíduos que conversam não podem ser apenas um encontro amigável (a menos que você esteja assistindo a um filme indie, de baixo orçamento ou Richard Linklater); tensão tem que estar presente, com muito drama e raiva. Em suma, é provável que as travessuras se apareçam e, no mínimo, algo importante será revelado que pode mudar o curso da trama.
Se você decidir continuar lendo esta lista incrível, você encontrará os 20 melhores confrontos verbais um-a-um da história do filme gravado.
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20. Meu Jantar com André
Este filme consiste em uma única cena de diálogo, estendida por mais de duas horas, na qual o protagonista se reúne com um velho amigo chamado André, que esteve envolvido em uma série interessante de atividades em busca de um significado real em sua vida.
Wally escuta calmamente enquanto seu amigo descreve entusiasticamente o que ele tem feito todo esse tempo: ser enterrado vivo, fazer uma peça estranha sem público em uma floresta, adotar um monge budista por algumas semanas, juntar-se a um grupo de pessoas que estavam tentando alcançar uma espécie de estado extra-humano iluminado. Andre parece estar na cultura da nova era, e ele e Wally são muito diferentes.
Vê-los falar por quase duas horas sem parar é muito interessante. O protagonista discorda do extremismo de André sobre como o mundo moderno é inútil, mas ele aprecia os confortos que a tecnologia oferece, enquanto André prefere um estado mais animalesco e natural de ser e critica ferozmente os vícios e problemas de nossa civilização contemporânea.
Suas dissertações filosóficas mostram algumas das questões descaradas que a sociedade ocidental tem que enfrentar, como alienação, rotina, autoengano, falta de empatia. É uma análise que você não deve perder.
Melhores linhas: “Nossas mentes estão apenas focadas nesses objetivos e planos, que por si só não são realidade.” Wally: “Metas e planos não são… eles são fantasia. Eles são parte de uma vida de sonho.
19. Manhattan
Todos os filmes de Woody Allen são baseados em diálogo. Seus roteiros são influenciados por vários autores literários, e a maioria de seus textos poderia ser facilmente adaptado para uma peça. Ele também pega emprestado muitas vezes da era de ouro de Hollywood e de obras-primas estrangeiras clássicas, como “Casablanca”, “81/2”, “Cidadão Kane” e “O Sétimo Selo”.
“Manhattan” é uma mistura de muitas de suas inspirações, incluindo Nova York, que pode ser considerada sua maior. Allen interpreta Isaac, um nova-iorquino tagarela que está namorando uma jovem de 17 anos chamada Tracy. Ele não parece estar levando o relacionamento a sério, mas Tracy se apaixonou por ele.
Durante todo o filme, Isaac trata Tracy como uma criança e é condescendente com ela na tentativa de minar sua afeição mútua. Ele prefere a pseudo-intelectual Mary, mas é claro que ele preferiria estar com Tracy se não fosse pela idade dela.
No final, as tentativas de Isaac de seduzir Maria são dificultadas por seu melhor amigo. Isaac corre em direção ao prédio de Tracy, percebendo que ele sempre a amou, enquanto a maravilhosa trilha sonora nos transporta para a história antiga de Hollywood. O famoso “Rhapsody in Blue” de Gershwin carrega todo o filme até o fim.
Ela está se preparando para ir para Londres com uma bolsa de estudos, e quando ele perceber que é tarde demais para convencê-la, Tracy o conforta dizendo que quando ela voltar em seis meses, ela ainda o amaria. Isaac não tem tanta certeza sobre isso, mas está convencido quando Tracy diz a famosa frase: “Você tem que ter um pouco de fé nas pessoas.”
Esta cena liga bem o filme em um belo arco. Filmado em preto e branco glorioso, e com performances incríveis de ambos os atores, é um dos maiores diálogos da história do cinema.
Melhores linhas: “Você tem que ter um pouco de fé nas pessoas.”
18. O Terceiro Homem
Considerado um dos melhores thrillers clássicos de todos os tempos, a trama inteligente deste filme estava décadas à frente de seu tempo, inspirando gerações futuras de cineastas com sua estética impecável em preto e branco e cenas memoráveis; ou seja, o famoso diálogo sobre a roda gigante.
Holly Martins chegou a Viena pós-Segunda Guerra Mundial, seguindo um convite de seu velho amigo Harry Lime. Logo após sua chegada, Holly é informada que Harry foi atropelado por um caminhão e morreu instantaneamente. Ele ajuda no funeral e todos parecem pensar que Harry era um criminoso. Holly então começa um difícil processo de investigação para provar a inocência de seu melhor amigo.
Depois de perguntar por aí, o protagonista está convencido de que seu amigo não é o que costumava ser. Tudo aponta para Harry ser um criminoso cruel que fingiu sua morte, então Holly diz a um dos associados de Harry que ele estará em torno da roda gigante esperando por ele para esclarecer as coisas.
Harry, interpretado por ninguém menos que Orson Welles, se junta a Holly no ponto de encontro como se tudo estivesse normal. Holly começa a falar sobre todas as evidências que ele encontrou contra ele; Enquanto isso, a roda gigante começou a girar, e vemos a paisagem se movendo atrás de Harry. Ele não parece se importar com nada disso e ameaça a vida de Holly se ele o denunciar. O diálogo em si se torna muito poético, pois o personagem de Welles é maravilhosamente escrito, e ele carrega a conversa como um mestre da manipulação, enquanto seu amigo está perplexo com sua mudança de personalidade.
Este é um momento chave para o filme, no qual Welles solidifica sua incrível performance e o mistério é esclarecido.
Melhores linhas: Harry Lime: “Não seja tão sombrio. Afinal, não é tão horrível. Como diz o cara, na Itália por 30 anos sob os Borgias eles tiveram guerra, terror, assassinato e derramamento de sangue, mas eles produziram Michelangelo, Leonardo da Vinci, e o Renascimento. Na Suíça eles tinham amor fraternal – eles tinham 500 anos de democracia e paz, e o que isso produzia? O relógio cuco. Até logo, Holly.”
17. Goodfellas
Na tentativa de reprisar o papel de “ele mesmo”, Joe Pesci interpreta um mafioso psicopata chamado Tommy, que é tão louco quanto engraçado, embora o personagem de Pesci esteja em negação desses aspectos de sua personalidade.
Martin Scorsese estrutura essa cena de diálogo maravilhosamente, usando duas configurações de câmera que nos permitem ver as reações de cada personagem.
Tommy está contando uma história para um grupo de outros mafiosos em um restaurante, sobre como ele se recusou a ser interrogado por policiais quando eles se aproximaram dele enquanto ele estava descansando em um parque. Todo mundo está rindo devido ao jeito hilário do ator de contar a história e Henry Hill (interpretado por Ray Liotta) instintivamente diz a Tommy que ele é engraçado, quem responde, “engraçado como?” Henry não sabe como responder e começa a murmurar, então Tommy o questiona novamente com um pouco de raiva em sua voz, enquanto o silêncio toma conta da mesa.
Logo, Henry descobre que Tommy só está brincando com ele e todo mundo começa a rir de novo. No entanto, também vemos o quanto um Tommy lunático é, o que nos faz pensar se Henry está seguro ao seu lado.
Esta cena é baseada em uma experiência real que Joe Pesci teve ao trabalhar em um restaurante. Ele disse a um mafioso que ele era engraçado e as coisas foram ladeira abaixo a partir daí, como o cara não levou o elogio muito carinhosamente. O diretor não adicionou essa parte ao cronograma de filmagem, só que ele e Joe sabiam disso, então os outros atores improvisaram em torno da grande atuação de Pesci, e suas reações são reais e inestimáveis.
Scorsese retrata a relação entre esses dois em um único diálogo magistral que, além de divertido, estabelece todo o ritmo do filme, que é dinâmico e inesperado.
Melhores linhas: Tommy DeVito: “Não, não, eu não sei, você disse isso. Como é que eu sei? Você disse que eu sou engraçado. Como eu sou engraçado, o que diabos é tão engraçado em mim? Diga-me, diga-me o que é engraçado! Henry Hill: [longa pausa] “Saia daqui, Tommy!” T: [todo mundo ri] “Ya filho da puta! Eu quase o tive, quase o tive. Ya gagueira. Frankie, ele estava tremendo? Às vezes me pergunto sobre você, Henry. Você pode dobrar sob questionamento.
16. Fome
Steve McQueen escalou os jovens Magneto e Davos Seaworth para seu primeiro longa-metragem. Fiquei surpreso quando não encontrei brigas de espadas ou dobra de metal/assassinato em todo o tempo de execução do filme, embora tenha me deparado com uma cena de diálogo doce.
Michael Fassbender interpreta Bobby Sands, um republicano irlandês que lidera uma greve de fome enquanto está preso. Ele tem uma conversa com o Padre Dominic sobre sua vida, religião e motivos, um bate-papo relaxado enquanto fuma e mostra uma grande quantidade de química. A câmera está estática enquanto os dois homens se interrogam.
Ambos os atores fazem um ótimo trabalho, como filmar uma única tomada do mesmo ângulo e com uma quantidade extrema de linhas para lembrar não poderia ter sido uma tarefa fácil. Embora só vejamos suas formas devido à pouca iluminação durante a maior parte da cena, os artistas são capazes de expressar cada emoção e nos manter interessados por quase 30 minutos e com cortes mínimos.
Melhores linhas: Padre Dominic Moran: “Quero saber se sua intenção é apenas cometer suicídio aqui.”
Bobby Sands: “Você quer que eu discuta sobre a moralidade do que estou prestes a fazer e se é realmente suicídio ou não? Primeiro, você está chamando de suicídio. Eu chamo de assassinato. E isso é apenas mais uma diferença entre nós dois. Nós dois somos católicos, ambos republicanos. Mas enquanto você caçava salmão na bela Kilrea, estávamos sendo queimados em nossa casa em Rathcoole. Semelhante em muitos aspectos, Dom, mas a vida e as experiências concentraram nossas crenças de forma diferente. Você me entende?
15. Casablanca
Mantendo o recorde mundial invicto para “na maioria das vezes o título do filme é mencionado em seu tempo de execução”, “Casablanca” é realmente o clássico dos clássicos. As pessoas geralmente não pensam que é o melhor filme já feito, mas dentro de seu contexto histórico, “Casablanca” deu o tom por décadas de cinema.
O americano Rick Blaine (Humphrey Bogart) e sua espremedor Ilsa Lund (Ingrid Bergman) foram forçados a fugir de Paris justo quando seu relacionamento estava se consolidando, porque Hitler simplesmente não podia cair sem cometer todos os crimes imagináveis, ele também teve que enganar Humphrey Bogart. No entanto, Ilsa de repente decide abandoná-lo com uma carta, que é o equivalente a enviar a seu amado um Snapchat de você levantando o dedo do meio como uma tática de separação.
Eles se vêem novamente, depois de muito tempo, na popular boate do Rick. Ele possui alguns vistos especiais que Ilsa e seu marido revolucionário precisam para escapar da perseguição do Terceiro Reich e fugir para os Estados Unidos. Ele está relutante em entregar esses documentos, por causa do grande dano que Ilsa lhe causou; O personagem de Bogart muitas vezes afirma que, depois do que aconteceu com ele, ele só se importa consigo mesmo.
No entanto, na cena final, Rick faz um enorme sacrifício para o bem maior. Ele planejava dar o visto ao marido de Ilsa, mas ficar com sua ex-namorada em Casablanca, porque ela alegou que ainda o amava. No momento da verdade, ele dá-lhes os vistos e fica sozinho, com uma das falas mais memoráveis da história do cinema.
Melhores linhas: Ilsa: “Mas e nós?”
Rick: “Nós sempre teremos Paris. Nós não tínhamos, nós.nós o perdemos até você vir para Casablanca. Nós o pegamos de volta ontem à noite.
“Quando eu disse que nunca te deixaria.”
R: “E você nunca vai. Mas eu tenho um trabalho a fazer, também. Para onde eu vou, você não pode seguir. O que eu tenho que fazer, você não pode fazer parte. Ilsa, eu não sou bom em ser nobre, mas não é preciso muito para ver que os problemas de três pessoas pequenas não equivalem a um monte de feijões neste mundo louco. Um dia você vai entender isso.
14. No Country for Old Men
Um homem entra pela porta da pequena loja anexa ao seu posto de gasolina. Você acabou de tomar seu café da manhã que te preparou para enfrentar qualquer travessura que o dia possa jogar em você. Pergunte a este homem se as pessoas estão recebendo alguma chuva no lugar de onde ele é; seu nada não significa nada com isso, você está apenas tentando conversar com um transeunte inesperado, mas o estranho com o corte de cabelo estranho é um pouco paranoico.
Você não quer problemas, mas a atitude deste indivíduo é estranha e hostil. Ele começa a fazer algumas perguntas pessoais que soam mais como ameaças disfarçadas.
Você ainda está um pouco confuso com toda a situação quando ele joga uma moeda no ar e pára no balcão, cobrindo-a com a mão. Ele diz “chame” e seu rosto contrai de uma forma que você não gosta em tudo. O cavalheiro começa a falar sobre como essa moeda viajou 20 anos para chegar a este momento, para este lançamento de moeda destinado. Você está feito suportando mais loucura em seu estabelecimento e finalmente chamá-lo: “Cabeças, então”. Ele tira a mão, deixando o rosto de Washington à vista: “Bem feito”, ele diz, e lhe dá o quarto alegando que você não deve colocá-lo em seu bolso, porque é o seu bairro da sorte.
É incrível como esse cara pensa que ele está apenas enfrentando um louco aleatório que entrou em sua loja, não faz ideia do fato de que ele estava prestes a morrer, e tudo dependia daquele lançamento de moeda. O personagem de Javier Bardem parece pensar que ele é uma espécie de fazedor de justiça cósmica, e suas habilidades de intimidação são incomparáveis.
A performance de Bardem é o que dá credibilidade a toda essa cena de diálogo mortal aleatório no meio do deserto. Ele realmente age como o psicopata mais perigoso do mundo.
O ritmo da cena é responsável por aumentar a tensão. Embora seja sua loja, vemos como o dono se sente preso pelas palavras do estranho, como ele está encurralado atrás do caixa como cada corte repentino (neste, a assinatura do Coen tiro invertido) nos faz temer o próximo.
Melhores linhas: Dono de posto de gasolina: “Eu não coloquei nada para cima.”
Anton Chigurh: “Sim, você fez. Você tem colocado isso a vida toda, você simplesmente não sabia. Você sabe que data é nesta moeda? G: “Não”. A: “1958. Está viajando há 22 anos para chegar aqui. E agora está aqui. E ou é cara ou coroa. E você tem que dizer. Chame isso.”
G: “Olha, eu preciso saber o que eu estou para ganhar.” A: “Tudo”.
13. A Rede Social
Acho que só há duas maneiras de fazer um bom filme baseado em eventos da vida real. A primeira maneira é não dar uma única foda sobre os fatos reais, e a segunda maneira é retratar tudo exatamente como aconteceu. Qualquer filme que esteja no meio desses dois aspectos poderia ser chamado de bagunça insegura; “Argo”, “Joy” e “Capitão Phillips” são alguns exemplos.
“A Rede Social” segue a primeira maneira, como é visto em sua maravilhosa cena de abertura em que Mark Zuckerberg e sua namorada Erica estão tendo um rápido bate-papo em um bar do campus em Harvard.
Mark parece ser obcecado com clubes finais e prestígio, enquanto Erica realmente não vê o ponto desses grupos. Ele se preocupa muito com sua reputação e é retratado como um cara muito inseguro; desde o início, toda a motivação de Zuckerberg para criar o Facebook é se vingar de sua agora ex-namorada após esta cena, o que, naturalmente, não é fiel a eventos reais.
O diálogo é magistralmente escrito por Aaron Sorkin, e o fluxo da conversa é natural à medida que eles se confundem e às vezes não entendem o que o outro está dizendo. Ambos os atores fazem um excelente trabalho para manter o clima.
A edição segue o ritmo da conversa, enquanto o raio escuro comprime cada reação nos rostos dos atores. Todas essas ferramentas cinematográficas são construídas sobre a incrível canção “Ball and Biscuit” do The White Stripes, que torna toda a cena extra memorável.
Melhores linhas: Erica Albright: “Você provavelmente vai ser uma pessoa de computador muito bem sucedida. Mas você vai passar a vida pensando que as garotas não gostam de você porque você é um nerd. E quero que saiba, do fundo do meu coração, que isso não será verdade. Vai ser porque você é um idiota.
12. A Linha Vermelha Fina
Neste filme épico de guerra de 1998, há um pouco acontecendo; tanto que o diretor Terrence Malick teve que cortar várias horas de material, juntamente com performances inteiras e histórias do personagem, para tornar o filme viável.
No entanto, o que restou constitui um filme excelente e único com muita substância e cenas de combate emocionantes. O melhor diálogo em “A Linha Vermelha Fina” ocorre durante uma dessas batalhas infernais.
O Tenente-Coronel Gordon Tall está se comunicando com o Capitão James ‘Bugger’ Staros por um (por falta de uma palavra melhor) telefone de guerra especial. Staros está liderando um grupo de soldados na tentativa de tomar a colina em que os japoneses estão amontoados. Eles estão enfrentando extrema resistência e muitos soldados estão morrendo, e ele e seus homens estão escondidos atrás de uma borda à espera de reforços. Tall ordena que Staros envie todos os seus homens para atacar diretamente os japoneses, e Staros sabe que ao fazer isso, ele estaria sentenciando seus companheiros soldados à morte. Ele discute com Tall e se recusa a obedecer uma ordem direta dele; Tall fica sem palavras, assim como todos no esquadrão de Staros.
As performances de Nick Nolte e Elias Koteas são incríveis. Nolte é intenso enquanto tenta fazer o capitão seguir suas ordens, enquanto Koteas realiza uma perigosa negociação com a vida de seus homens em jogo. O rugido incessante de tiros e bombas está presente durante toda a conversa, representando o perigo iminente que esses soldados devem enfrentar mais cedo ou mais tarde.
Melhores linhas: Capitão James ‘Bugger’ Staros: “Eu vivi com estes homens, senhor, por dois anos e meio e eu não vou ordenar todos eles para a morte.”
11. Birdman
Quando as pessoas dizem que um filme de Alejandro González Iñárritu é uma obra-prima eu digo a eles a mesma coisa que eu diria a uma de 5 anos de idade afirmando que o céu é azul: “Claro que é, tolo. Vá ser redundante em outro lugar. Porque, embora ele tenha feito apenas seis filmes, eles são todos revolucionários, profundos e verdadeiramente excelentes.
Com “Birdman”, ele criou uma das melhores obras de arte do século passado, combinando performances marcantes de cada ator, uma cinematografia incrível de Emmanuel Lubezki, e um grande roteiro que lhe rendeu uma infinidade de prêmios.
“Birdman” está repleto de excelentes diálogos, mas o melhor é entre Michael Keaton e Edward Norton, ambos interpretando atores que estão em desacordo um com o outro.
O personagem de Keaton, Riggan, precisa de um novo ator para a peça que ele está dirigindo, então seu agente chama Mike (Edward Norton), um astro da Broadway conhecido por ser muito difícil de trabalhar. Seu encontro começa abruptamente quando Mike começa a criticar o roteiro, querendo começar a ensaiar uma cena aleatória sem prestar atenção aos detalhes técnicos; isso leva a um confronto incrível entre esses dois grandes atores onde o personagem de Norton prova seu talento, conseguindo o papel e a admiração de Riggan junto com ele.
O diálogo foi baseado em uma conversa real entre o diretor do filme e Edward Norton, na qual o ator interrogou Iñárritu sobre o roteiro e os propósitos de cada personagem.
O palco onde esta cena se passa foi lindamente iluminado pelo cineasta Emmanuel Lubezki; o movimento suave da câmera e a falta de cortes dão um fluxo especial e ritmo ao diálogo. Junto com as batidas legais de Antonio Sanchez, o primeiro encontro de Keaton e Norton é emocionante e divertido.
Melhores linhas: Mike Shiner: “Ok, fique comigo.” Eu sou a pessoa errada para perguntar”, diz ele, mas o que é isso, qual é a intenção nisso? Ele está farto do assunto, então ele está mudando, ele está desviando a culpa sobre o casamento? E é o seguinte, você tem quatro linhas depois disso, todos dizem a mesma coisa. “Eu nem conhecia o homem, só ouvi o nome dele ser mencionado de passagem, não sei, você teria que saber os detalhes…” A questão é, você não conhece o cara, nós f – king obtê-lo. Fazê-lo funcionar com uma linha: “Eu nem conhecia o homem.”
Riggan: “Certo. Sim. Você sabe minhas falas também, hein? M:“Podemos não ficar presos em linhas de conhecimento?”
10. Sem fôlego
Iniciando a Nova Onda Francesa como uma melancia descendo um penhasco, o gênio de Jean-Luc Godard sai de todos os cantos deste filme.
Inspirado em filmes de gângsteres americanos, o protagonista deste filme está foragido depois de matar impulsivamente um policial. Enquanto ele está escondido, Michel sai com Patricia, uma americana atraente que trabalha na edição internacional do New York Herald Tribune em Paris.
A cena do diálogo acontece no pequeno quarto de hotel de Patricia. Embora esteja em apuros, Michel se recusa a sair do lado dela. Ela age com raiva, mas não resiste às suas abordagens carismáticas. A conversa gira em torno do ciúme de Michel e comentários soltos sobre seu relacionamento enquanto ambos fumam cigarros.
Eles nunca falam sobre um tema específico, principalmente devido à técnica caótica de edição de Godard que mais tarde inspiraria cineastas como Lars von Trier a fazer o mesmo. Quando seu produtor disse a Godad que o filme era muito longo, em vez de cortar algumas cenas do filme, Godard apagou pequenos pedaços e peças, tornando “Breathless” muito mais dinâmico, peculiar e divertido.
O diálogo foi filmado no quarto de hotel de Jean Seberg (a atriz que interpretou Patricia) de verdade; era tão pequeno que as filmagens eram complicadas com a equipe toda amontoada dentro, mas valeu a pena. A luz natural fica linda junto com a estética clássica em preto e branco.
Melhores linhas: Patricia Franchini: “Você conhece William Faulkner?”
Michel Poiccard: “Não. Quem é ele? Você dormiu com ele?
9. Dancer in the Dark
A técnica de Lars von Trier para filmar diálogos é excelente; seu objetivo é capturar momentos e sentimentos, em vez de apenas querer avançar o enredo. Como ele também opera a câmera, o diretor é capaz de interagir com seus atores de uma forma muito íntima, dando direções a cada passo do caminho e também concedendo liberdade quando é conveniente.
Esta cena de diálogo é a crucial de todo o filme; o desenvolvimento essencial do personagem é entregue de forma fluente por gestos e atuação excepcional de David Morse e (minha atriz favorita) Björk.
No filme, o protagonista está ficando cego devido a uma condição hereditária. Ela está fazendo horas extras em uma fábrica para economizar dinheiro para pagar a cirurgia ocular do filho. O único desejo de Selma é que seu filho viva uma vida melhor com visão normal.
Ela está falando com seu amigo Bill depois de um dia agitado, e Selma percebe que algo está errado com ele e pergunta a ele sobre isso. Bill confessa, enquanto chora, que está falido, herdou muito dinheiro, mas tudo se foi. A protagonista sente a necessidade de abrir seu coração para ele neste momento difícil; Selma confessa que está ficando cega, e mal consegue cobrir as despesas básicas enquanto economiza até a cirurgia de Gene. A protagonista fala sobre seus mecanismos de enfrentamento que constituirão o elemento musical do filme.
A cena é realmente emocional, dá o tom para o resto do filme, e o método de edição agitado de Von Trier estrutura um tom muito incomum e quente que é inerente a “Dancer in the Dark”.
Melhores linhas: Selma: “Você gosta de filmes, não é?”
Bill Houston: “Eu amo os filmes. Adoro os musicais.”
Selma: “Mas não é chato quando eles fazem a última música nos filmes?”
B: “Por quê?”
S: “Porque você só sabe quando vai muito grande… e a câmera sai do telhado… e você só sabe que vai acabar. Eu odeio isso. Eu sairia logo após a penúltima canção… eo filme iria apenas continuar para sempre.
8. O Cavaleiro das Trevas
Acho que Christopher Nolan foi contratado pela Marvel para destruir a DC por dentro; Como uma questão de fato, eu sei que ele era. “Como você pode saber disso?”, Você pode perguntar. Bem, essa é uma boa pergunta para outra hora.
O plano da Marvel era magistral: pagar milhões de dólares a um diretor brilhante, então ele concorda em fazer alguns filmes do Batman tão bons que a DC tentaria, sem sucesso, replicar o mesmo estilo para sempre, ficando preso em uma espiral interminável de decepção e mediocridade (Veja “Batman vs Superman”).
Surpreendentemente, a melhor cena de toda esta franquia de super-heróis é o diálogo com o Coringa, no qual Batman interroga o palhaço a fim de descobrir a localização de Harvey Dent.
O Coringa, sendo um e tudo mais, não vai deixar Bruce ir resgatar seus amigos sem analisar filosoficamente sua situação como um malvado Socrates insuportável. Batman fica violento depois que seu inimigo revela que ele também sequestrou sua ex-namorada, e que ele vai ter que escolher apenas um para salvar.
O desempenho de Heath Ledger como o Coringa é inacreditável. Sua voz, seus gestos, sua risada e o excelente roteiro constituem o melhor vilão de filmes de quadrinhos até hoje. Imagino que foi muito fácil para Christian Bale entrar no personagem para esta cena depois de ver a loucura que Ledger estava expressando; ele até permitiu bale realmente bater nele, para preservar a autenticidade. Ele é responsável por um dos melhores trabalhos de atuação de todos os tempos.
Melhores linhas: O Coringa: “Não fale como um deles. Você não está! Mesmo que você gostaria de ser. Para eles, você é apenas uma aberração, como eu! Eles precisam de você agora, mas quando não o fizerem, eles vão te expulsar, como um leproso! Veja, sua moral, seu código, é uma piada ruim. Caiu ao primeiro sinal de problemas. Eles são tão bons quanto o mundo permite que eles sejam. Eu vou te mostrar. Quando as fichas estão para baixo, estes… essas pessoas civilizadas, eles vão comer uns aos outros. Veja, eu não sou um monstro. Estou à frente da curva.”
7. Um Homem Morto Andando
À primeira vista, o enredo deste filme não parece muito emocionante. No entanto, ele prova ser uma experiência emocionante e séria que não está interessada em forçar sua mensagem goela abaixo do público, mas em vez disso oferece um verdadeiro retrato do debate sobre pena de morte e levanta dúvidas importantes sobre a filosofia do direito.
Susan Sarandon interpreta a irmã Helen Prejean, uma freira que está intrigada com a história de um preso no corredor da morte chamado Matthew (Sean Penn) e sua possível inocência. Ela tenta entendê-lo, pouco a pouco, na tentativa de descobrir sua participação nos crimes dos quais ele é acusado. Embora o principal objetivo da Irmã Prejean seja que ele finalmente demonstre arrependimento e aceite Jesus Cristo, ela luta em cada passo do caminho para proteger este homem de si mesmo.
A cena se passa em uma cela isolada para detentos do corredor da morte. Irmã Prejean está visitando Mateus um dia antes de sua execução; eles estão separados por um vidro grosso e um policial está sentado atrás dele, sempre atento a qualquer movimento que ele faz. Embora os personagens estejam se enfrentando em um estilo clássico de tiro reverso, podemos ver ambos os rostos o tempo todo porque eles são refletidos no vidro.
Eles falam de Deus e da salvação divina que Mateus quer ser digno. A freira explica a ele o sacrifício que está envolvido e ele não está feliz com isso. Vê-los interagir é muito intenso; eles foram separados por barras de metal e outras restrições em todas as suas outras conversas, mas agora vemos seus rostos refletirem no vidro à medida que se aproximam em um nível pessoal. As performances de Sarandon e Penn são impecáveis, ganhando a Sarandon um Oscar de melhor atriz, e se ajustam bem às necessidades desta maravilhosa cena.
Melhores linhas: Matthew Poncelet: “Você já se sente sozinho?”
Irmã Helen Prejean: “Sim, claro. Às vezes, aos domingos, quando sinto o cheiro dos churrascos da vizinhança, e ouço todas as crianças rindo e estou sentada no meu quarto (risos) me sinto como uma tola.”
6. O Sétimo Selo
Ingmar Bergman é um dos mais importantes pioneiros do cinema filosófico. Seus filmes são profundos e exigem múltiplas visualizações para serem totalmente compreendidos.
“O Sétimo Selo” é famoso por causa das interações entre a Morte e o personagem principal, Antonius Block, interpretado por Max Von Sydow. Eles jogam xadrez com uma bela paisagem marinha como pano de fundo e, a partir daí, a entidade nunca para de perseguir Antonius.
Sua melhor cena juntos se passa em uma pequena igreja, onde Antonius está confessando seus pecados a um padre através das barras de metal de um confessionário. O personagem principal deseja acreditar em Deus, mas está frustrado com a falta de provas de sua existência; fé não é suficiente para ele, e entristece sua alma. O padre é na verdade a Morte disfarçada, e ele faz algumas perguntas a Antonius na tentativa de descobrir por que ele não quer morrer. Antônio diz que deseja conhecimento, conhecer Deus pessoalmente, descobrir o mistério; ele está cansado de suposições e orações vazias.
Toda a configuração para este diálogo é magistral. A iluminação aponta a dualidade da Morte; ele está coberto de um roupão preto, mas seu rosto é branco e brilhante. As performances são apaixonadas e o dilema que o personagem principal enfrenta é o mais universal de todos, tornando a cena particularmente cativante, devido ao fato de que qualquer um poderia se relacionar com o sofrimento existencial de Antônio.
Melhores linhas: Antonius Block: “Devemos fazer um ídolo do nosso medo, e chamá-lo de Deus.”
5. O Poderoso Chefão
Tenho certeza que apresentar um dos melhores personagens da história do cinema não foi uma tarefa fácil para Francis Ford Coppola e sua equipe. Vito Corleone é considerado por muitos como o cara mais durão já colocado na tela. A primeira vez que o conhecemos, ele é um velho bem vestido que não parece muito assustador. No entanto, a maneira como ele fala e como todos o respeitam, ao ponto de até mesmo um grande homem violento como Luca Brasi praticar em voz alta o que ele vai dizer a ele como uma criança nervosa antes de confessar um mau comportamento, tudo confirma que a ascensão do Poderoso Chefão ao poder deve ter sido verdadeiramente selvagem.
Nesta cena, um homem está pedindo a Vito para vingar sua filha depois que um grupo de caras a espancou impiedosamente. Corleone é insultado pela forma como este homem o trata, como se fosse um assassino vulgar desconhecido; o Padrinho indiretamente o chama de hipócrita, porque ele só reconhece sua amizade quando quer um favor.
A tensão vem da nossa ignorância sobre os personagens que vemos na tela. Não sabemos como o homem importante em um terno chique vai reagir às abordagens desajeitadas do homem desesperado, mas aprendemos que Corleone é um indivíduo justo e tem um código moral em que a família está acima de tudo.
A clássica cinematografia sombria pela qual a franquia “O Poderoso Chefão” é conhecida, bem como a incrível atuação de Marlon Brando com algodão na boca e acariciando um gato aleatório que ele encontrou ao redor do set, fazem desta cena uma introdução inesquecível à melhor franquia de filmes de todos os tempos.
Melhores linhas: Bonasera: “Quanto devo te pagar?” [O Don se afasta com desdém, mas Bonasera fica em]
Don Corleone: “Bonasera, Bonasera, o que eu já fiz para que você me trate tão desrespeitosamente? Se viesse até mim em amizade, essa escória que arruinou sua filha estaria sofrendo neste dia. E se por acaso um homem honesto como você fizesse inimigos eles se tornariam meus inimigos. E então, eles temeriam você.
B: “Seja meu amigo… Padrinho.”
4. Pulp Fiction
Este filme é o sonho de qualquer estudante de cinema. Não só porque Quentin Tarantino criou um clássico instantâneo que foi indicado para melhor filme no Oscar, mas porque a maioria dos elementos de “Pulp Fiction” são, ironicamente, os que dominam os curtas-primas, mesmo antes do lançamento desta obra-prima. A diferença é que Tarantino orquestrou todos eles perfeitamente, com atores profissionais, cinematografia incrível, um roteiro perfeito, criatividade fora das paradas, um pequeno orçamento e uma tonelada de referências cinematográficas.
Se você tem um roteiro impecável em suas mãos, haverá inúmeras grandes cenas para escolher entre as melhores, especialmente aquelas com diálogo afiado, devido ao estilo de assinatura de Tarantino. Na minha opinião, o melhor é entre Vincent Vega e Mia Wallace em um restaurante chamado Jack Rabbit Slims.
Vega está conversando com a esposa do chefe dele neste restaurante temático dos anos 50. Steve Buscemi, que interpretou um cara que odiava dar gorjeta em “Cães de Aluguel” de Tarantino, agora é garçom. Ele recebe as ordens do casal enquanto eles conversam, e sua química excepcional carrega toda a cena. Esta é a primeira vez que eles estão tendo uma conversa adequada, mas os personagens são tão bem esnudados e os atores são tão bons em seus trabalhos que tudo parece natural.
O diálogo culmina com a clássica competição de dança que todos conhecemos. E se você viu como essa parte foi filmada, então você está ciente de que Tarantino é quem mais ama essa cena.
Melhores linhas: Mia: “Você não odeia isso?”
Vincent: “O quê?”
M: “Silêncios desconfortáveis. Por que achamos que é necessário falar besteira para ficar confortável?”
V: “Eu não sei. Essa é uma boa pergunta.
M: “É quando você sabe que encontrou alguém especial. Quando você pode apenas calar a boca por um minuto e desfrutar confortavelmente do silêncio.
3. Bastardos Inglórios
Acho que Perrier LaPadite foi o homem com a pior sorte em “Inglourious Basterds”, e isso está dizendo algo. Alguns poderiam argumentar que o personagem mais azarado era o jovem no bar que foi morto no dia em que seu filho nasceu, ou o personagem de Michael Fassbender, que foi morto antes que ele pudesse compartilhar totalmente sua sensualidade com o mundo, mas essas pessoas estariam erradas.
O pobre Perrier teve que esconder seus vizinhos sob o chão de sua casa, aguardando a visita de um esquadrão nazista liderado pelo homem mais perigoso do mundo, enquanto tinha que continuar fornecendo para sua esposa e filhas, que poderiam ser mortas ou presas se as coisas não dessem certo. É justo dizer que ele estava sob pressão. É assim que o filme começa, um bom homem se preparando para enfrentar o mal, e as coisas certamente não vão bem.
Hans Landa, interpretado pelo incrível Christoph Waltz (que ganhou um Oscar por seus esforços neste filme), o massacra com sua conversa rápida, confiança inegável, talentos multilíngues e sabedoria demoníaca. LaPadite, o fazendeiro viril com bolas suficientes para enfrentar os nazistas sozinho, acaba chorando e revela o esconderijo de seu amigo. Está tudo acabado e nunca sabemos o que acontece com ele e sua família depois disso.
O diálogo é inteligente e nos dá uma olhada na mente de um soldado nazista. Vemos os dois homens no mesmo tiro quando a intensidade é baixa; quando o clímax está chegando, a pressão também aumenta com close-ups completos das reações do personagem e, em seguida, as balas invadem a casa.
Melhores linhas: Coronel Hans Landa: “Se um rato entrasse aqui agora como estou falando, você o trataria com um pires de seu delicioso leite?”
Perrier LaPadite: “Provavelmente não.”
C: “Eu não acho que sim. Você não gosta deles. Você realmente não sabe por que você não gosta deles. Tudo o que sabe é que os acha repulsivos. Consequentemente, um soldado alemão realiza uma busca em uma casa suspeita de esconder judeus. Onde está o falcão? Ele olha para o celeiro, ele olha no sótão, ele olha no porão, ele olha para todos os lugares * ele * se esconderia, mas há tantos lugares que nunca ocorreria a um falcão para se esconder. No entanto, a razão pela qual o Führer me tirou dos Alpes na Áustria e me colocou no país das vacas francesas hoje é porque me ocorreu. Porque estou ciente de que feitos tremendos os seres humanos são capazes de uma vez que abandonam a dignidade.”
2. O Mestre
Se alguém me perguntar sobre o que é esse filme, provavelmente ficarei parado enquanto meus olhos se mexem e minha mente se esforça para formar uma frase que não parece totalmente louca. Eu provavelmente acabaria dizendo: “É sobre um cara louco que faz sua própria bebida, que embarca em um barco estranho (propriedade de um culto) por engano e acaba fazendo amizade com o líder. Ótimo filme certificado, mano.” Embora meu esboço não pareça muito convincente, “O Mestre” é uma obra de arte espetacular.
A cena do diálogo ocorre no referido barco; depois que Freddie Quell (interpretado por Joaquin Phoenix) aparece em acidente, ele encontra Lancaster Dodd (Philip Seymour Hoffman) e eles se deram bem por ambos serem loucos, mas de maneiras diferentes.
Lancaster passa a psicanalizar Freddie de uma forma incomum; ele faz uma série de perguntas a fim de descobrir quem ele realmente é e procurar a raiz de seus problemas. Quando Lancaster sente que Freddie está mentindo, ele faz a mesma pergunta novamente, e novamente, até que ele recebe uma resposta satisfatória. Lancaster então diz a Freddie para não piscar, e se ele fizer isso, ele começaria o interrogatório novamente. Essa demanda adiciona mais tensão à já fervorosa situação.
Os atores entregam as melhores performances de suas respectivas carreiras. Hoffman é sério e exigente, enquanto Phoenix é insano e instável. Eles fazem uma combinação assustadora nesta cena; juntamente com um raio mínimo e um ótimo roteiro, ele só é liderado pelo número um nesta lista.
Best lines: Lancaster Dodd: “Do you love Doris?”
Freddie Quell: “Yes.”
L: “Is she the love of your life?”
F: “Yes, sir.”
L: “Then why aren’t you with her?”
F: “I don’t know.”
L: “Yes you do. Tell me why you are not with her if you love her so much.”
F: “I told her I’d come back and I never went back and now I just… I gotta get back to her.”
L: “Why don’t you go back?”
F: “I don’t know.”
L: “Close your eyes. Starting now, you are not to blink. If you blink we go back to the start.”
1. Haverá sangue
Como o título sugere, o sangue está certamente neste filme, embora seja representado pelo petróleo. Os perfuradores batizam seus filhos com o produto químico e uma variedade de referências religiosas são feitas ao longo do filme que confirmam essa analogia.
Um deles é o conflito entre o magnata do petróleo e protagonista Daniel Plainview (interpretado por Daniel Day-Lewis) e o padre rural Eli Sunday (Paul Dano). Eli age humilde e pacífico após a visita de Daniel para extrair óleo localizado na propriedade da família do padre. No entanto, é claro que Eli é tão mesquinho e egocêntrico quanto Daniel, ele apenas escolhe esconder este fato sob o véu da religião, enquanto Daniel se disfarça de homem de família.
Justo quando a ganância finalmente corrompe todo o espírito de Daniel, Eli escolhe visitá-lo em sua elegante pista de boliche, na tentativa de vender-lhe um negócio de petróleo. Daniel percebe que o padre está desesperado, então ele diz que concordará com o acordo se Eli admitir que sua fé é uma farsa. Depois de um momento de dúvida, Eli aceita suas condições, colocando dinheiro sobre a paixão de sua vida. Daniel então confessa que já drenou o poço de óleo que está oferecendo, destruindo completamente o jovem padre. Ele fica maníaco e arrebenta a cabeça de Eli com um alfinete de boliche.
O acúmulo da cena é fantástico. O conflito entre esses dois remonta há muito tempo, e é finalmente resolvido da maneira mais corajosa possível. Ambas as performances são espetaculares, especialmente a de Daniel Day-Lewis, que ganhou seu segundo Oscar de melhor ator por este papel. Ele é cruel e sem alma enquanto esmaga seu homólogo com raiva e satisfação. A cinematografia é impressionante durante todo o filme, onde cada ato desprezível é cometido à vista de todos, como se não houvesse escapatória da culpa e vergonha.
Melhores linhas: Eli Sunday: “Se você pegar…”
Plainview: “Você perde”.
E: “… esse aluguel, Daniel…”
P: “Drenagem! Drenagem, Eli, garoto. Drenado seco. Eu sinto muito, eu sinto muito. Aqui, se você tem um milkshake, e eu tenho um milkshake, e eu tenho um canudo. Aí está, isso é um canudo, entende? Cuidado com isso. Agora, minha palha chega ao acroooooooss da sala e começa a beber seu milkshake. Eu… Bebida… Seu… milkshake! [sugando o som]
Fonte: Taste of Cinema
