Os 12 princípios da animação foram introduzidos pela primeira vez pelos animadores da Disney Ollie Johnston e Frank Thomas em seu livro A Ilusão da Vida: Animação Disney, lançado pela primeira vez em 1981. Neste livro, Johnston e Thomas examinam o trabalho dos principais animadores da Disney no A partir de 1930 e resumem sua abordagem em 12 princípios básicos de animação.
Esses princípios formam a base de todo o trabalho de animação e são relevantes para vários campos diferentes. O uso mais óbvio é para animar um personagem (leia mais sobre design de personagem aqui), mas essas regras também são um guia inestimável em outras áreas, por exemplo, se você deseja introduzir movimento em sua interface com alguma animação CSS .
Aqui, vamos dar uma olhada em cada princípio de animação. Para vê-los em ação, considere se inscrever no Disney Plus .
Este artigo apresenta GIFs de Vincenzo Lodigiani , que também fez o pequeno vídeo The Illusion of Life (abaixo).VÍDEOS RECOMENDADOS PARA VOCÊ …
Depois de entender esses 12 princípios da animação, você poderá levar seu trabalho de movimento para o próximo nível. Estes são os princípios e o que eles significam:
01. Squash e alongamento
O princípio squash e stretch é considerado o mais importante dos 12 princípios da animação. Quando aplicado, oferece aos seus personagens e objetos animados a ilusão de gravidade, peso, massa e flexibilidade. Pense em como uma bola de borracha quicando pode reagir ao ser lançada no ar: ela se estica quando se desloca para cima e para baixo e aperta quando bate no chão.
Ao usar a abóbora e o alongamento, é importante manter o volume do objeto consistente. Portanto, quando você estica algo, ele precisa ficar mais fino, e quando você esmaga algo, ele precisa ficar mais largo.
02. Antecipação
A antecipação ajuda a preparar o espectador para o que está prestes a acontecer. Quando aplicado, ele tem o efeito de tornar a ação do objeto mais realista.
Considere como pode parecer se você pular no ar sem dobrar os joelhos, ou talvez jogar uma bola sem antes puxar o braço para trás. Parece muito antinatural (talvez nem seja possível pular sem dobrar os joelhos!). Da mesma forma, animar movimentos sem um lampejo de antecipação também fará com que seu movimento pareça estranho, obsoleto e sem vida.
03. Encenação
A preparação da animação é muito parecida com a composição da obra de arte. O que queremos dizer com isso é que você deve usar o movimento para orientar os olhos do espectador e chamar a atenção para o que é importante na cena. Mantenha o foco no que é importante dentro da cena e mantenha o movimento de tudo o mais sem importância no mínimo.
04. Ação direta e pose para posar
Existem duas maneiras de lidar com a animação de desenho: em frente e pose para posar. Cada um tem seus próprios benefícios, e as duas abordagens são frequentemente combinadas. A ação direta envolve o desenho quadro a quadro do início ao fim. Se você procura movimentos fluidos e realistas, a ação direta é a sua melhor aposta.
Com a técnica de pose para pose, você desenha o quadro inicial, o quadro final e alguns quadros-chave no meio. Então você volta e completa o resto. Essa técnica oferece um pouco mais de controle dentro da cena e permite aumentar o efeito dramático do movimento.
05. Siga a ação completa e sobreposta
Quando os objetos param quando estão em movimento, diferentes partes do objeto param em velocidades diferentes. Da mesma forma, nem tudo em um objeto se moverá na mesma taxa. Isso forma a essência do quinto dos princípios de animação da Disney.
Se o seu personagem estiver correndo pela cena, os braços e as pernas podem estar se movendo a um ritmo diferente da cabeça. Esta é uma ação sobreposta. Da mesma forma, quando eles param de correr, é provável que os cabelos continuem se movendo por alguns segundos antes de descansar – isso é feito. Esses são princípios importantes para entender se você deseja que sua animação flua de forma realista.
06. Devagar e devagar
A melhor maneira de entender a desaceleração e desaceleração é pensar em como um carro liga e para. Ele começará a se mover lentamente, antes de ganhar impulso e acelerar. O contrário acontece quando o carro freia. Na animação, esse efeito é obtido adicionando mais quadros no início e no final de uma sequência de ações. Aplique esse princípio para dar mais vida aos seus objetos.
07. Arco
Ao trabalhar em animação, é melhor seguir as leis da física. A maioria dos objetos segue um arco ou caminho quando estão em movimento, e suas animações devem refletir esse arco. Por exemplo, quando você joga uma bola no ar, ela segue um arco natural conforme os efeitos da gravidade da Terra agem sobre ela.
08. Ação secundária
Ações secundárias são usadas para apoiar ou enfatizar a ação principal que ocorre em uma cena. A adição de ações secundárias ajuda a adicionar mais dimensão aos seus personagens e objetos.
Por exemplo, o movimento sutil dos cabelos de seu personagem enquanto eles andam, ou talvez uma expressão facial ou um objeto secundário reagindo ao primeiro. Seja qual for o caso, essa ação secundária não deve desviar a ação primária.
09. Tempo
Para esse princípio de animação, precisamos olhar novamente para as leis da física e aplicar o que vemos no mundo natural às nossas animações. Nesse caso, o foco está no tempo.
Se você mover um objeto mais rapidamente ou mais lentamente do que o natural no mundo real, o efeito não será crível. Usar o tempo correto permite controlar o humor e a reação de seus personagens e objetos. Isso não quer dizer que você não pode pressionar um pouco as coisas (especialmente se estiver criando um mundo imaginário) – mas, se o fizer, seja consistente.
10. Exagero
Muito realismo pode arruinar uma animação, fazendo com que pareça estática e chata. Em vez disso, adicione algum exagero aos seus personagens e objetos para torná-los mais dinâmicos. Encontre maneiras de ultrapassar os limites além do que é possível e suas animações serão exibidas.
11. desenho sólido
Você precisa entender o básico do desenho. Isso inclui saber desenhar no espaço tridimensional e entender a forma e a anatomia, o peso e o volume, as luzes e as sombras.
Embora você também possa ultrapassar os limites aqui, é importante permanecer consistente. Se o seu mundo tem portas instáveis e uma perspectiva distorcida, mantenha essa perspectiva por toda a animação. Caso contrário, as coisas vão desmoronar.
12. Recurso
Seus personagens, objetos e o mundo em que vivem precisam apelar para o espectador. Isso inclui ter um design de fácil leitura, desenho sólido e uma personalidade. Não existe uma fórmula para fazer isso direito, mas começa com um forte desenvolvimento do personagem e com a capacidade de contar sua história através da arte da animação.
