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27 dicas de design de personagens

O processo de enfrentamento do design de personagens é muitas vezes cheio de obstáculos. Você precisa de um monte de pensamento criativo para criar seu próprio personagem do zero, embora muitos dos personagens conhecidos de desenhos animados, publicidade e filmes pareçam simples. Na verdade, uma grande quantidade de esforço e habilidade terá sido exercida para torná-los tão eficazes.

Das famosas mãos de três dedos do Mickey Mouse (atraídas para acelerar a produção quando ele foi desenvolvido pela primeira vez para animações na década de 1920), à simplicidade elegante de Homer Simpson, criar personagem sempre foi sobre mantê-lo simples.

Mas o que você precisa considerar para o seu design de personagem? Além de linhas limpas e recursos facilmente legíveis, há saber o que exagerar e o que minimizar, como dar uma dica de profundidade e fundo e o que fazer para desenvolver personalidade.

Então, é claro, há a questão das tecnicalidades de como desenhar seu design de personagem. Se vai ser usado em movimento ou como parte de uma tira de quadrinhos, você precisará ter certeza de que funciona de qualquer ângulo.

Para este artigo, pedimos a uma série de artistas e ilustradores importantes seus conselhos sobre a criação de designs de personagens memoráveis e únicos. Muitas dessas dicas vêm do Pictoplasma, um festival anual de design de personagens em Berlim.

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01. Não perca a magia

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Certifique-se de não polir todo o charme de seus personagens [Imagem: Laurie Rowan]

Muitos designers de personagens começarão seu projeto com um esboço. E a maioria concorda que os designers concordam que isso é frequentemente onde a essência do personagem é capturada. Então, quando você está trabalhando em seu projeto, certifique-se de não perder essa magia.

“Tento manter meu estilo de desenho original, porque o instinto é tentar limpá-lo”, diz Laurie Rowan. “Eu não gosto de sentir que eu criei por personagens; Eu gosto de sentir como se eu meio que apenas encontrá-los.

“Ao começar no design do seu personagem, não se deixe levar pelos detalhes”, diz Pernille Ørum. “Decida o que está tentando comunicar, então crie esboços soltos com movimento, atuação e fluxo. Assim que você começar a apertar o desenho, você vai perder automaticamente um pouco da dinâmica, por isso é importante ter o máximo de vida nos estágios iniciais possível. O movimento é quase impossível de adicionar mais tarde, então certifique-se de que está no esboço inicial.”

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02. Afaste-se do material de referência

Enquanto a inspiração precisa vir de algum lugar, o objetivo é criar algo original. Então Robert Wallace – conhecido como Dentes Paralelos – sugere não ter o material de referência bem na sua frente enquanto trabalha.

“Se você olhar para algo e tentar lembrar-se nebulosamente em sua mente, é quando você acaba fazendo algo novo, em vez de um pastiche de algo”, diz ele. Acima você pode ver a nova visão de Wallace sobre figuras festivas bem conhecidas, criada para uma loja de departamentos de Hong Kong.

03. Pesquise outros personagens

Para orientação, pode ser útil tentar desconstruir por que certos projetos de personagens funcionam e por que alguns não funcionam. Não faltam materiais de pesquisa para serem encontrados, com personagens ilustrados aparecendo em todos os lugares: em comerciais de TV, caixas de cereal, placas de loja, adesivos em frutas, animações em celulares e muito mais. Estude esses desenhos de personagens e pense sobre o que faz algum sucesso e o que em particular você gosta sobre eles.

“Quando você trabalha com personagens, você precisa se inspirar”, aconselha Ørum, “e você pode fazer isso através da pesquisa. Sua mente é uma biblioteca visual que você pode encher. Tente notar as pessoas ao seu redor – como elas andam, seus gestos, como se vestem – e use isso em seu design.”

04. … mas também olhar em outro lugar

Também é uma boa ideia olhar além dos desenhos de personagens ao caçar inspiração. “Eu gosto muito dos rituais de acasalamento dos pássaros”, ri Rowan. Os movimentos estranhos podem desencadear um comportamento único de caráter.

“Quando começo um projeto, muitas vezes começo com o sentimento que quero evocar”, acrescenta. O processo começa com o designer fazendo vídeos de si mesmo como referência, tentando capturar algo do movimento ou postura da ideia do personagem.

Outras inspirações incluem cerâmica – uma textura orgânica e paleta de cores mudas param seu trabalho de se sentir muito clínico – e trajes folclóricos.

05. Não perca de vista a ideia original

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Sea of Solitude é um próximo jogo do estúdio Jo-Mei [Imagem: Jo-Mei]

É fácil subconscientemente deixar nossos desenhos favoritos nos influenciarem. Cornelia Geppert, CEO do estúdio de jogos indie Jo-Mei, é uma grande fã de The Last Guardian, com sua estética única e grandes designs de personagens de videogame.

Em certo momento, um dos membros de sua equipe teve que dizer a ela que seu design do Mar da Solidão estava parecendo um pouco semelhante a The Last Guardian. Ela olhou para trás em suas obras de arte iniciais, e isso trouxe de volta a sensação que ela tinha ao criá-las. O projeto voltou aos trilhos.

06. Exagere

Exagerar as características definitivas do design do seu personagem ajudará a parecer mais vivo. Recursos exagerados também ajudarão os espectadores a identificar as principais qualidades do personagem. O exagero é fundamental nas caricaturas dos desenhos animados e ajuda a enfatizar certos traços de personalidade. Se o seu personagem é forte, não basta dar-lhe braços de tamanho normal, crie-os para que eles sejam cinco vezes maior do que deveriam ser.

A técnica de exagero também pode ser aplicada às características. O hilário filme de Anna Mantzaris chega (acima) mostra personagens cotidianos em situações mundanas, fazendo as coisas que todos sonhamos fazer em um dia ruim. “Eu acho que é divertido com a animação que você pode empurrar as coisas ainda mais, e as pessoas ainda vão aceitá-la como real”, diz ela. “Com live action seria absurdo. Você também pode empurrar a emoção ainda mais.

07. Decida para quem seu design de personagem é destinado

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Scarygirl de Nathan Jurevicius aparece em jogos e uma graphic novel [Imagem: Nathan Jurevicius]

Pense no seu público. Desenhos de personagens voltados para crianças pequenas, por exemplo, são tipicamente projetados em torno de formas básicas e cores brilhantes. Se você está trabalhando para um cliente, o público-alvo do personagem geralmente é predeterminado, como explica o artista australiano Nathan Jurevicius.

“Os designs de caracteres comissionados geralmente são mais restritivos, mas não menos criativos. Os clientes têm necessidades específicas, mas também querem que eu faça minha ‘coisa’. Normalmente, eu vou quebrar as características principais e personalidade. Por exemplo, se os olhos são importantes, então eu vou focar todo o design ao redor do rosto, tornando este o recurso chave que se destaca.”

08. Torne seu personagem distinto

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Matt Groening usou amarelo para fazer os personagens dos Simpsons se destacarem da multidão

Se você está criando um macaco, robô ou monstro, você pode garantir que haverá uma centena de outras criações semelhantes lá fora. Seu design de personagem precisa ser forte e interessante em um sentido visual para chamar a atenção das pessoas.

Ao criar Os Simpsons, Matt Groening sabia que tinha que oferecer aos espectadores algo diferente. Ele contava que quando os telespectadores estavam passando por canais de TV e se deparavam com o programa, a cor da pele amarela extraordinariamente brilhante dos personagens chamaria sua atenção.

09. Crie silhuetas claras

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Uma silhueta ajuda a entender o gesto do personagem [imagem: Pernille Ørum]

Outra boa maneira de tornar seu personagem distinto e melhorar sua pose, diz Ørum, é transformá-lo em uma silhueta. “Então você pode ver como o personagem ‘lê’ e se você precisa deixar o gesto mais claro. Você entende a emoção do personagem e vê a linha de ação? As coisas podem ser simplificadas? Tente não se sobrepor a tudo, e mantenha os membros separados.

07. Desenvolver uma linha de ação

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Uma linha de ação é a espinha dorsal de um desenho de personagem [Imagem: Pernille Ørum]

Um aspecto fundamental a ser considerado ao criar um design de personagem é a linha de ação. É isso que define a direção do seu personagem, além de ser uma ferramenta narrativa útil e trazer um sentimento de movimento.anúncio

“Tente trazer a linha de ação até as extremidades”, diz Ørum. “Uma bailarina é um bom exemplo: eles enfatizam a linha desde as pontas dos dedos até as pontas dos dedos. A linha de ação também é mais fácil de ver em criaturas com menos membros, e é por isso que as sereias são um assunto ideal para desenvolver uma linha de ação forte.”

08. Torná-lo pessoal

O jogo de videogame Mar da Solidão de Geppert é uma exploração de suas experiências de solidão. Intensamente pessoal, embora possa ser, o jogo bateu um acorde com o público quando foi pré-visualizado na E3 no início do ano, porque trata de uma experiência que é tão universal, mas ainda estranhamente tabu.

“A melhor arte é baseada em experiências pessoais. As pessoas podem se relacionar melhor se for baseada na verdade”, diz Geppert. “Não é uma história inventada, mesmo que seja baseada em um cenário fantástico.”

09. Encontre a postura primeiro

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Postura pode dizer muito sobre um personagem [Imagem: Félicie Haymoz/Wes Anderson]

Félicie Haymoz trabalhou com Wes Anderson em ambos os seus filmes animados: Fantastic Mr Fox e Isle of Dogs. Ao embarcar em um novo design de personagem, Haymoz gosta de começar encontrando a postura do indivíduo. Este elemento pode começar a bola rolando em toda a sensação da personalidade. “Eu tento capturar a postura do personagem. Eles estão curvados, ou eles estão sentados em linha reta e orgulhosos? Ela também observa que o rosto é importante para acertar.

10. Considere a qualidade do traço

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Linhas retas e curvas são lidas pelos olhos em velocidades diferentes [imagem: Pernille Ørum]

As linhas desenhadas das quais seu design de personagem é composto podem ir de alguma forma para descrevê-lo. Linhas grossas, uniformes e redondas podem sugerir um personagem acessível e bonito, enquanto linhas afiadas, arranhadas e irregulares podem apontar para um caráter inquieto e errático.anúncio

Ørum recomenda equilibrar linhas retas e curvas. “Linhas retas e curvas dão ao seu design de personagem um ritmo. Uma linha reta (ou uma linha simples) conduz o olho rapidamente, enquanto uma linha curva (ou detalhada) desacelera o olho.’

Também vale a pena considerar o equilíbrio entre estiramento e compressão. “Mesmo uma pose neutra pode liderar o olho aplicando essas duas abordagens, resultando em um design de personagem eficaz”, diz Ørum.

11. Use uma estrutura de piadas

via GIPHY

Rowan ganhou um nome para si mesmo compartilhando clipes humorísticos de seus personagens no Instagram, e passou a trabalhar em projetos para a Disney, BBC e MTV, e ganhou um prêmio BAFTA e indicação no processo. No entanto, foram seus anos menos bem sucedidos fazendo standup comedy que forneceram inspiração para suas animações de personagens marcantes.

“É através do standup que aprendi brevidade. É uma espécie de estrutura de piada”, explica. Saber enquadrar o clipe vem de fracassos e sucessos passados no palco: “Você aprende muito rapidamente a atingir certos pontos”, ele ri.

12. Mantenha simples

Além de saber quando exagerar, Ørum também faz questão de destacar a importância da simplicidade. “Eu sempre tento comunicar os desenhos com o menor número de linhas possível. Isso não significa que o trabalho não tenha sido colocado na criação do volume, colocação e design do personagem, mas tento simplificar o máximo possível e apenas colocar as linhas e cores que transmitem as informações necessárias.”

13. Considere todos os ângulos

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Hilda precisava trabalhar de todos os ângulos para aparecer em uma tira de quadrinhos [Imagem: Luke Pearson/Flying Eye Books]

Dependendo do que você planejou para o seu design de personagem, você pode precisar descobrir como ele será de todos os ângulos. Um personagem aparentemente plano pode assumir uma nova persona quando visto de lado se, por exemplo, ele tem uma barriga de cerveja maciça.

Na oficina de Crash Course de Design de Personagem no Pictoplasma 2019, Jurevicius e Rilla Alexander pediram aos participantes que esboçassem seu personagem em poses realizadas por outros participantes, estilo de desenho de vida.

E se você vai transformá-lo em uma tira de quadrinhos, a la Luke Pearson’s Hilda, ele vai precisar não só fazer sentido de todos os ângulos, mas olhar bem também.

“Como desenhar Hilda por trás sem o cabelo engolir a silhueta”, como desenhar sua boina de cima; uma longa e desenhada batalha com como seu nariz deve parecer… estas eram todas as questões que Pearson teve que lidar ao criar seu personagem. Os problemas levaram, em última análise, a soluções de design.

14. Construa-o em 3D

Se o seu personagem vai existir dentro de um mundo 3D, como uma animação ou mesmo como um brinquedo, trabalhar sua altura, peso e forma física é tudo importante. Alternativamente, vá um passo adiante e crie um modelo.

“Mesmo que você não seja alguém que trabalha em 3D, você pode aprender muito convertendo seu personagem em três dimensões”, diz Alexander. É uma parte fundamental do processo que os alunos seguem na Academia Pictoplasma.

15. Escolha as cores com cuidado

dica de design de personagem escolha de cores
Cores complementares criam um equilíbrio agradável [imagem: Pernille Ørum]

As cores podem ajudar a comunicar a personalidade de um personagem. Tipicamente, cores escuras como preto, roxo e cinza retratam bandidos com intenções malévolas.Advertisement

Cores claras como branco, azul, rosas e amarelos expressam inocência e pureza. Vermelhos, amarelos e azuis podem dar qualidades de herói a um design de personagem.

“Para escolher cores eficazes, é importante entender as regras básicas da cor”, explica Ørum. “Familiarize-se com as cores primária, secundária e terciária, bem como cores monocromáticas e complementares. Uma técnica para gerar uma paleta de cores eficaz é escolher duas cores complementares e trabalhar com elas em um esquema de cores monocromáticas.”

“Você vai criar equilíbrio porque cores complementares criam dinamismo, enquanto cores monocromáticas invocam sentimentos de calma. Você também pode experimentar um esquema de cores terciárias, que adiciona uma terceira cor (por exemplo, violeta, laranja e verde), e depois trabalhar com versões monocromáticas dessas cores, mas exige mais planejamento e habilidade para que ele funcione bem. Se você é novo na cor, tente mantê-lo simples.

Para ler mais sobre isso, veja nosso post sobre teoria das cores.

16. Não se esqueça do cabelo

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Forma, divisão e linha de cabelo são os segredos para desenhar um bom cabelo [imagem: Pernille Ørum]

“Alguns anos atrás eu fui de odiar o cabelo desenhado para amá-lo”, Ørum. “Anteriormente, eu costumava ver o trabalho de todos os detalhes e direções do cabelo como um esforço tedioso. Agora eu penso nisso mais como uma forma grande e orgânica, que como uma bandeira ao vento indica e enfatiza o movimento do personagem ou seu entorno.

“Comece criando uma forma grande e divida-a em seções mais curtas, enquanto pensa sobre onde o cabelo está separado e onde está a linha do cabelo. Cada linha deve ajudar a definir o volume, forma e direção do cabelo.”

17. Adicione acessórios

Adereços e roupas podem ajudar a enfatizar traços de caráter e seus antecedentes. Por exemplo, roupas desajeitadas podem ser usadas para personagens pobres, e muitos diamantes e joias para os ricos sem gosto. Acessórios também podem ser extensões mais literais da personalidade do seu personagem, como um papagaio no ombro de um pirata ou um verme no crânio de um ghoul.

18. Foco na expressão facial

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A expressão facial é a chave para a personalidade de um personagem, como demonstra Droopy de Tex Avery

Expressões mostrando a gama de emoções de um personagem e retratando seus altos e baixos irão reforçar ainda mais seu personagem. Dependendo de sua personalidade, as emoções de uma figura podem ser silenciadas e confusas ou explosivas e descontroladamente exageradas.

“Quando você sabe o básico de desenhar um rosto, brinque com a expressão do personagem”, diz Ørum. “Use um espelho para ler seu próprio rosto e notar as mudanças sutis. Empurre e puxe as sobrancelhas para mostrar emoção. Evite dar simetria facial. A boca sempre favorece um lado e dá vida ao desenho. E dar à cabeça uma inclinação para adicionar nuances.

Exemplos clássicos de expressões exageradas podem ser encontrados na obra do lendário Tex Avery: os olhos de seu personagem Lobo Selvagem muitas vezes saem de sua cabeça quando ele está animado. Outro exemplo de como as expressões comunicam movimentos é o deadpan Droopy, que mal registra qualquer tipo de emoção.

19. Dê seus objetivos de caráter

A força motriz por trás da personalidade de um personagem é o que ele quer alcançar. Esse “algo” perdido – seja riqueza, namorada ou resolvendo um mistério – pode ajudar a criar o impulso dramático por trás das histórias e aventuras que seu personagem faz. Muitas vezes a incompletude ou falhas em um design de personagem são o que o tornam interessante.

20. Construa uma história de volta

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Uma cena pode ajudar a revelar a identidade de seu personagem [imagem: Pernille Ørum]

Se você está planejando que seu design de personagem exista dentro de quadrinhos e animações, então desenvolver sua história de volta é importante. De onde vem, como ele veio a existir e quaisquer eventos que mudaram a vida que ele experimentou vão ajudar a apoiar a solidez e subsequente crença em seu caráter. Às vezes, contar a história de um personagem pode ser mais interessante do que as aventuras atuais do personagem.

“Se você está tendo problemas ao tentar pregar a essência de um personagem, tente pensar neles em uma determinada situação”, aconselha Ørum. “Use a história para pensar sobre as emoções do seu personagem antes de abordar o design, e adicione os detalhes depois. Definir a cena é a melhor ajuda quando se olha para um pedaço de papel em branco, e torna o processo mais divertido, também!”

21. Lembre-se que não é tudo sobre o rosto

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Yukai Du usa as mãos para a emoção covey [imagem: Yukai Du]

Yukai Du não é o que você chamaria de uma típica designer de personagens: nenhum de seus trabalhos apresenta rostos. Em vez disso, a parte escolhida do corpo dela são as mãos. Tendo descoberto que ela não era boa em capturar emoções específicas dentro de uma expressão facial, ela se voltou para uma parte diferente do corpo: as mãos. “As mãos são muito expressivas. Você pode contar muitas histórias com as mãos, e fazê-lo de uma forma muito sutil”, diz ela. Mãos se tornaram sua maneira de contar histórias.

22. Flexição do design do seu personagem

Ter software e materiais decentes para trabalhar é útil, mas não essencial, quando se trata de dar vida ao seu personagem. Muitos personagens incríveis foram projetados com sucesso anos atrás, quando ninguém tinha computadores pessoais e o Photoshop CC era apenas um sonho.

Se o personagem é realmente forte, você deve ser capaz de capturá-lo com apenas uma caneta e papel. Ou, como diz Sune Ehlers: “O personagem ainda deve ser capaz de trabalhar com uma vara mergulhada na lama e desenhada no asfalto.”

23. Obtenha feedback de outros

Mostre às pessoas suas criações e pergunte-lhes o que elas pensam. Não pergunte se eles gostam ou não. Em vez disso, veja se eles podem pegar as personalidades e traços de seus personagens. Descubra quem você acha que é o público adequado ou ideal para o seu trabalho e obtenha feedback especificamente deles sobre ele.

24. Seja honesto

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John Bond criou recentemente um livro de histórias baseado em seu personagem Mini Rabbit [Imagem: John Bond]

“Muito do meu projeto comercial sai do meu trabalho pessoal. É por isso que tento fazer meu trabalho pessoal do jeito mais honesto possível, como que eu gosto, porque eu gosto. Acho que chega ao espectador que não estou apenas marcando caixas”, diz John Bond. O ilustrador lançou recentemente seu livro de estreia, NOT LOST, baseado em seu design de personagem Mini Rabbit.

25. Crie o ambiente certo

Da mesma forma que você cria uma história para o seu personagem, você precisa criar um ambiente para que ele ajude a consolidar ainda mais a credibilidade em sua criação. O mundo em que o personagem vive e interage deve de alguma forma fazer sentido para quem é o personagem e o que ele faz.

26. Ajuste sua figura

Questione cada elemento de sua criação, especialmente coisas como suas características faciais. A menor alteração pode ter um grande efeito sobre como seu personagem é percebido.

O ilustrador Neil McFarland aconselha: “Pense no significado da palavra ‘personagem’. Você deveria dar vida a essas coisas, torná-las atraentes e dar-lhes a magia que permitirá que as pessoas imaginem como elas são e como elas podem se mover.”

27. Não tenha medo de fazer mudanças

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Hilda em 2012 (esquerda) e 2016 (direita) [Imagens: Luke Pearson/Flying Eye Books]

Hilda mudou ao longo dos anos, de livro para livro, mas Pearson explica que ninguém o puxou para cima sobre ele. “Gosto de pensar que significa que o design é forte o suficiente para suportar ser puxado em todas essas direções diferentes”, diz ele.

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