Os 20 Melhores Animes de 2021

Saindo de um ano cheio de atrasos e ressarem calendário em literalmente todos os aspectos do entretenimento (e filmes live-action e programas de TV, em particular), a temporada de animes de inverno de 2021 veio invadindo os portões, e a primavera e o verão rapidamente passaram ao longo do bastão para compensar o tempo perdido. Já estávamos animados com a continuação de séries do ano passado, como o favorito do Crunchyroll Awards,J ujutsu Kaisen, e o final da temporada final de Attack on Titan, mas as novas adições à programação de programas atualmente no ar foram bem-vindas, surpresas inesperadas. Felizmente, assistir a esses títulos está mais acessível do que nunca, com camadas gratuitas no Crunchyroll e Funimation, o acordo de simulcasting do Hulu, e a Netflix produzindo seus próprios originais (e licenciando alguns sucessos recentes). Do estranho ao caloroso, estes são nosso anime favorito do ano.

20. Horimiya

Data de lançamento: 9 de janeiro
Diretor: Masashi Ishihama
Produção: Cloverworks

Um jovem isolado e intenso, Izumi Miyamura não atrai muita atenção positiva de seus colegas de escola, nem tenta. Tudo isso muda em um encontro casual com seu popular colega kyoko Hori fora da escola, onde ambos descobrem que suas primeiras impressões um do outro não poderia ter sido mais errado. Embora o mangá no qual o anime se baseia esteja funcionando há anos, Horimiya não perde tempo em construir as aberturas românticas entre os dois, focando nas consequências emocionais de seu relacionamento, em vez de apenas o acúmulo passo a passo. É uma espada de dois gumes, pois seu ritmo de ruptura (o diretor tem apenas uma temporada para trabalhar) pode se sentir desorientador. Mas é salva por sua abordagem elíptica para contar histórias, vendo a relação crescente de Miyamura e Hori como uma coleção de momentos diferentes, em vez de um testamento, eles/não vão se acopor. Como resultado, parece uma abordagem mais naturalista, mas não menos tocante ao romance. É uma pena que os últimos episódios se percam depois de correr pelo arco romântico de Hori e Miyamura, e se inclinam muito longe em peculiaridades que se tornam preocupantes ao invés de fofas. Ainda assim, Horimiya vale mais do que a pena assistir simplesmente por seu visual e arte de personagem, enfatizando perfeitamente momentos de intimidade tranquila, solidão e auto-dúvida.

19. Vlad Love

Data de lançamento: 14 de fevereiro
Diretor: Mamoru Oshii
Produção: Drive

Depois de décadas de ficção científica e fantasia filosóficas, Vlad Love representa uma espécie de limpador de paletas para o veterano diretor Mamoru Oshii. Depois de contemplações sobre tudo, desde nossa relação corporal com tecnologia até o impulso do homem de destruir, o show joga como um retorno baixo e muitas vezes extremamente estúpido às suas raízes, recordando seus anos de trabalho em Urusei Yatsura nos anos 80. O show é peculiar e fora da parede de uma forma que o trabalho de Oshii não tem sido desde então, com cenas hiperativas cheias de estranhas metodaças e nonsequiturs (cuidado com uma cena interrompida por quase meio minuto com descrições da Wikipédia de um jato bombardeiro). Essa tolice de parede a parede não funcionará para todos, mas suas divagações bizarras são constantemente divertidas, e Vlad Love faz um retorno cinético ao tipo de brincalhão rom-com Oshii cortar os dentes fazendo. Essa nostalgia é extremamente deliberada — aqueles com um olho afiado detectarão referências visuais a seus trabalhos e séries passadas. É astuto em sua pateta também, com o uso estranho e subjetivo de tela dividida interpolada entre origens suaves e pintoras, cortesia do diretor de arte Kazuhiro Obata e do artista de fundo Yasutada Katou. Embora o lançamento repentino da série ameaçasse enterrá-la, sua alta energia ajudou a se destacar em meio a uma temporada de inverno lotada.

18. My Hero Academia, 5ª Temporada

Data de lançamento: 27 de março
Diretor: Kenji Nagasaki
Produção: Bones

As aventuras contínuas de Izuku Midoriya, um menino nascido sem poderes em um mundo onde todos os têm, tornaram-se confiávelmente divertidos em sua mistura de personagens memoráveis com expansiva construção de mundo com atenção a cada detalhe mundano. A quarta temporada da série foi dividida no meio entre uma batalha incrivelmente alta com o vilão Overhaul e seus assustadores capangas yakuza, e o capricho e descanso de um festival escolar. A nova temporada retoma mais uma vez as coisas da escola como uma batalha entre as classes — 1A, cheia de nossos protagonistas e personagens favoritos (exceto Mineta, nunca ele), e 1B, determinadas a provar que não são apenas “a outra classe”. Como sempre, é contada com animação emocionante que traz à vida o painel dinâmico e caótico do mangá de Horikoshi. Embora confinado ao terreno da escola, é divertido ver o choque de seus poderes diversos, imaginativos e até hilários. (Esta temporada traz um personagem cujo poder é invocar os efeitos sonoros onomatopeia das histórias em quadrinhos, sua cabeça aparecendo como uma bolha de pensamento que podemos ler constantemente.) Em seu coração está uma sinceridade que honestamente se sente ausente de um monte de tarifa de super-herói contemporâneo. Minha Academia herói já está funcionando há algum tempo, mas ainda tem muita energia de sobra, mesmo para seus episódios onde as apostas mais altas são uma nota final.

17. Jujutsu Kaisen

Data de lançamento: 3 de outubro
Diretor: Sunghoo Park
Produção: MAPPA

Se você assistiu a qualquer anime de brilho, Jujutsu Kaisen muitas vezes se sente confortavelmente familiar. Seu protagonista pária adolescente Yuuji Itadori abriga um demônio todo-temido dentro dele (e seu imaturo mentor de cabelos prateados e vendados Satoru Gojo) lembra Naruto; o fino véu entre a humanidade e os demônios e a guerra invisível entre eles lembra Yu Yu Hakusho. Seu elenco de apoio pateta, lutas espetaculares, e espírito can-do sentir parte e parcela com sua designação como anime de batalha. Onde a magia de SeJujutsu Kaisen está em seu abraço consciente de tropos de gênero, e, em seguida, inteligentemente subvertê-los, deixando o público pensar que eles estão em sobre o que o show está planejando antes de se desabar bruscamente fora do curso. Ele brinca com os elementos familiares da batalha, e às vezes parece que está em diálogo com a história desse gênero amplo, desde a forma como seu elenco coadjuvante de personagens se articula e seus sentimentos até como ele dá aos tropos comuns pequenas reviravoltas divertidas — até mesmo explicar sua capacidade para seu oponente tem significado. É também o raro brilho onde as mulheres são retratadas com tanta complexidade e força quanto os homens, algo que veio à tona no episódio de destaque desta temporada que explora a psicologia dos personagens através de brigas perfeitamente coreografadas. Jujutsu Kaisen não está reinventando a roda, e na maioria das vezes não está fazendo jus à franqueza de seu título, literalmente traduzindo para “Luta de Feiticeiro”. Ainda está focado em grandes lutas e horror sobrenatural, mas é uma modernização de uma fórmula testada e verdadeira, que continua a satisfazer semana após semana.

16. Prioridade do Ovo Maravilha

Data de lançamento: 13 de janeiro
Diretor: Shin Wakabayashi
produção: Cloverworks

Seguindo Ai Ooto de 14 anos enquanto ela luta para proteger as almas de adolescentes mortas abrigadas dentro dos “ovos maravilhas” homônimos, a alta qualidade da animação da Wonder Egg Priority se mostra imediatamente impressionante, cheia de ações espetaculares, de alto voo e alegóricas. Embora cubra o terreno que outras histórias têm antes dela, ao detalhar como as meninas são presas sob estruturas sociais específicas que as deixam vulneráveis, pelo menos por um tempo, parecia única na combinação de imagens e linguagem visual (há um toque de estética “garota mágica” em jogo aqui) usada para retratar a recuperação das meninas de sua própria agência, e sua retribuição contra seus agressores, com várias paisagens de sonhos e personagens nuances atuando misturando-se com meta-comentários espinhosos na linha estreita entre divulgar e discutir tais traumas e explorá-los.

Mesmo com todo o seu flash visual, a representação explícita de um assunto difícil será compreensivelmente um obstáculo intransponível para muitos — embora, na maior parte, o diretor Shin Wakabayashi (Owarimonogatari) e o escritor Shinji Nojima (Suki!, Ie naki ko) abordam os tópicos mais desconfortáveis através de revelações mais silenciosas e incidentais. Dito isso, o show tornou-se vítima de sua própria ambição, tanto na tela quanto fora. Uma produção mal gerenciado levou a inúmeros atrasos e um final adiado por vários meses, sua equipe obviamente ultrapassou os limites de trabalho (um sintoma tristemente frequente da indústria). Na tela, a escrita de Nojima na parte de trás do show fica um pouco ocupada demais, perdendo o controle sobre a sensibilidade e a consideração que fizeram a série funcionar em primeiro lugar. Ainda assim, de sua incrível animação à sua partitura eletrônica off-kilter, Wonder Egg Priority atinge um equilíbrio perfeito de ação sensacional com tema doloroso, e continua sendo um dos melhores do ano.

15. Vivy: Fluorite Eye’s Song

Data de lançamento: 3 de abril
Diretor: Shinpei Ezaki
Produção: WIT Studio

Recrutada por uma IA do futuro que habita o corpo de um ursinho de pelúcia, o ídolo de IA Vivy é encarregado de impedir o apocalipse da IA intervindo em momentos-chave da história. A premissa selvagem do show é gerenciada com narrativas tentadoras e elípticas que capitalizam cada vez que pulam — incluindo sequências de abertura variáveis construídas em torno de seu tema “Sing My Pleasure” à medida que os shows ao vivo de Vivy e a carreira de cantor se desenvolvem fora da tela com cada arrasto para a frente no tempo. É uma estrutura que transforma o formato “caso da semana” do procedimento e se expande para um século inteiro; cada novo Singularity Point, como seu companheiro de IA do futuro os chama, traz consigo um monte de mudanças pessoais e sociais dramáticas para Vivy, e esperar por cada nova mudança drástica é indiscutivelmente mais emocionante do que sua ação fluida. É épico testemunhar a história de séculos deste mundo se desenrolar, sem se transformar em um esmagador despejo de informações. Há um choque de diferentes presunções de gênero em jogo em sua configuração narrativa — um pouco de Alias, um pouco da IA de Spielberg, um pouco de Exterminador do Futuro — em cada uma de suas frequentemente melancólicas vinhetas de ficção científica preocupadas com determinismo, ambição, amor e solidão. As sequências de ação às vezes podem parecer que os personagens flutuam pela paisagem, mas são lisos, no entanto, brutais e fluidos e às vezes tão rápidos que é difícil para o olho rastrear. Vivy pode não ser a narrativa mais original nem a mais graciosamente contada deste ano, mas sua combinação específica de ideias é absolutamente nova.

14. Laid Back Camp, 2ª Temporada

Data de lançamento: 7 de janeiro
Diretor: Yoshiaki Kyōgoku
Produção: C-StudioLaid

Back Camp é talvez a forma mais pura de show de conforto: divertido e bonito e amenamente baixo, um cobertor quente para a temporada de inverno em que foi ao ar. Situada dentro e ao redor da prefeitura de Yamanashi, a configuração da série — focada nas aventuras do tranquilo e introvertido Rin Shima, e da mais extrovertida Nadeshiko Kagamihara enquanto viajam para vários acampamentos em todo o país — nunca realmente vacila. A série é essencialmente um passeio pelos japoneses ao ar livre com algumas dicas de camping ao lado, todas realizadas com visuais que capturam a beleza natural de cada local com uma arte de fundo linda e detalhada que beira o fotoreal. A atenção aos detalhes leva desde aquelas representações amorosas da fauna até a arte do personagem e os procedimentos de acampamento, seja na configuração e utilização de ferramentas ou nos alimentos de conforto que estão sendo cozidos. Cada pequena aventura é tranquila, priorizando a descompressão e observando a exploração das meninas com um senso de humor suave e um forte senso de camaradagem, conteúdo para apreciar os detalhes do processo e o ambiente do cenário. Mais do que isso, o Laid Back Camp também está se movendo em seu retrato matizado das amizades das meninas que se aprofundaram como resultado de seu hobby compartilhado, sua companheirismo e aceitação das peculiaridades uns dos outros comunicados em pequenas mudanças de tom, pessoalmente ou através de suas mensagens em grupo. (Como nota lateral, o engajamento do show com mensagens de texto é fascinante, mostrado como um elogio à sua exploração ao ar livre em vez de uma contradição.) Essa paciência faz do Laid Back Camp uma ruptura perfeita do caos da visualização mais hiperativa (ou apenas o ano em geral).

12. Para Sua Eternidade

Data de lançamento: 12 de Abril
Diretor: Masahiko Murata
Produção: Brain Base

Um poder de outro mundo envia um Orb para a Terra, e se torna uma rocha. Depois de um tempo, torna-se um lobo. Então ele se torna um menino, assumindo o nome Fushi, e parte em uma jornada. A adaptação anime de Yoshitoki Ōima’s To Your Eternity começa com o que pode ser um dos melhores episódios de abertura do ano, um conto trágico para si mesmo, mas o que se segue é tão encantador, e também emocionalmente ruinoso. A Voz Silenciosa de Ōima (famosa adaptada por Naoko Yamada) era sobre uma espécie de metamorfose, com seu protagonista se esforçando para mudar a si mesmo e aliviar seu auto-ódio. Para sua Eternidade é mais literal sobre tal transformação, mas não menos potente. Como A Voz Silenciosa, há um custo emocional para o amadurecimento, já que todas as mudanças de Fushi são diretamente estimuladas pela dor física e emocional, tornando todos os outros episódios um destruidor de corações. Não quer dizer que seja dour — há um personagem chamado Booze Man, afinal. Mas a formação incremental de Fushi em humano é em si mesma comovente e fascinante, passando de reativo para encontrar um senso de si mesmo, embora o custo seja incrivelmente, dolorosamente íngreme. Apesar de toda a morte em torno de Fushi, o show afirma que a pior coisa que você pode ser é esquecida — e, de certa forma, To Your Eternity, como o título sugere, permite que seus personagens vivam para sempre.

11.Miss Kobayashi’s Dragon Maid S

Data de lançamento: 8 de Julho
Diretor: Tatsuya Ishihara
Produção: Kyoto Animation

A assalariada reservada Kobayashi salva a vida de Tohru, um dragão de outro mundo. Sentindo-se em dívida com Kobayashi, Tohru decide se tornar sua empregada doméstica. Os episódios da série são principalmente uma conexão frouxa de diferentes incidentes, zerando Tohru enfrentando várias tarefas e chegando a entender as peculiaridades da vida humana, e Kobayashi está aprendendo a lidar com todas essas estranhas novas pessoas em sua vida. A produção da segunda temporada foi paralisada após o devastador ataque incendiário da Kyoto Animation de 2019, no qual o diretor original da série Yasuhiro Takemoto morreu tragicamente. Tatsuya Ishihara interveio, e a produção foi retomada, juntamente com o retorno de alguns funcionários-chave, e alguns novos.

A nova temporada só dobra em sua premissa fundamentalmente pateta, com seu charmoso trabalho de caráter, senso de humor afiado (e muitas vezes conscientemente grosseiro) e sua seriedade de coração aberto ainda em tato. As melhores partes da natureza do show compensam principalmente seus momentos menos saborosos, o que é bom porque o show flerta com tal desconforto. Ainda assim, é divertido ver o contraste entre todas as origens monstruosas dos dragões e a singularidade de sua existência diária (por exemplo, Tohru invocando a magia negra para fazer o gosto omurice melhor, ou o dragão Fafnir sendo banido de um videogame MMO). Esse casamento de fantasia ridícula com a mundanidade cotidiana torna-se material perfeito para o novo diretor Tatsuya enfrentar, o apelo de Nichijou sendo como ele adicionou uma dose saudável de absurdo até mesmo as menores vitórias e tragédias da vida de seus personagens. (Até a nova sequência de abertura de Dragon Maid é um aceno divertido para referência à abertura do antigo show de Tatsuya.)

Sua animação luxuosa parece a serviço de suas piadas visuais bizarras, mas também seus momentos mais emocionais entre Kobayashi e Tohru, e até mesmo uma ou duas lutas que realmente colocariam muitos animes de brilho em vergonha. Ele facilmente se descontrola entre réplicas serenas e idílicas de habitats humanos e representações mais ásperas, esboçadas e como livros de histórias da casa de Tohru, um reino de fantasia definido pela turbulência. Que a Dragon Maid S da Sra. Kobayashi ainda combina tudo isso com tanta finesse, assim como antes, parece uma grande vitória em si mesma.

10. Godzilla: Singular Point

Data de lançamento: 24 de junho
Diretor: Atsushi Takahashi
Produção: Bones, Orange

Você pode esperar que uma série de anime seja mais maximalista com sua visão sobre uma história de Godzilla, mas Singular Point tem muita paciência, lentamente provocando a aparência do lagarto nuclear com emocionantes implantações do incrível tema original de Akira Ifukube no final de cada episódio, e tendo a série atualizada assume seus clássicos inimigos aparecerem primeiro. O próprio Big G aparece no final do show, em uma misteriosa pluma de fumaça vermelha, seus desenhos estranhos e grotescos que lembram Shin Godzilla de Hideaki Anno enquanto a criatura lentamente evolui para uma forma mais completa e tradicional. Até lá, no entanto, o show permite mais espaço para sua construção mundial, jogando um cenário futuro próximo como uma parábola de desastre climático, tudo isso enquanto constrói seu elenco colorido e peculiar de personagens. Charmosamente projetados e constantemente expressivos, os belos desenhos são elogiados, em vez de prejudicados, pelo forte design CG do Studio Orange, cujo trabalho em Beastars está entre os melhores da indústria. Mas Singular Point é particularmente fascinado pelo processo e dedicado ao jargão pseudo-científico resultante, e parece uma história clássica de Godzilla nesse sentido. Apresenta o kaiju tanto como manifestações da raiva da natureza quanto equações gigantes para resolver, com sua habilidade única de quebrar as leis naturais do tempo e do espaço. Pode surpreender qualquer um que tenha sentado através do recente americano assume Godzilla e seus personagens humanos irrelevantes que o processo e as pessoas que o conduzem são o verdadeiro atrativo de Singular Point.

9. Pui Pui MolCar

Data de lançamento: 5 de janeiro
Diretor: Tomoki Misato
Produção: Shin-Ei Animation, Japan Green Heart

Não há muito a dizer sobre Pui Pui Molcar, mas essa é a beleza disso. O adorável anime infantil do tamanho de uma mordida maximiza uma premissa que é deliciosamente absurda e simples: E se houvesse carros que também fossem cobaias? Animada em stop-motion, a série retrata um mundo onde as pessoas dirigem esses veículos híbridos de cobaias conhecidos como Molcars (um portmanteau de “molmot” e carro), cada episódio uma exibição de seus vários hijinks e subsequente resolução de problemas. Há uma tato na série e seus protagonistas veiculares peludos (um dos que se chama Batata) que o torna eminentemente vigilante (assim como a interpolação de pessoas reais, encolhidos para se encaixar entre os ambientes em miniatura da série)— e isso é antes dos artistas começarem a lançar referências visuais a filmes famosos, ou seja. o slide de bicicleta Akira. Aumenta o absurdo em esboços que flertam com a desolação divertida como os adoráveis MolCars são forçados a tomar posse de um assalto a banco. Cada novo episódio é leve, divertido e criativo, pois capitaliza um conceito tão simples quanto ridículo, cada história encantadora contada dentro de um incrivelmente alegre e econômico 2-3 minutos. Realmente uma bênção.

8. A História de Heike

Data de lançamento: 16 de setembro
Diretor: Naoko Yamada
Produção: Science Saru

O anúncio da nova série de Naoko Yamada levou uma série de surpresas com ela — acima de tudo, que o diretor havia deixado a Kyoto Animation (com a qual seu nome é praticamente sinônimo) após duas décadas. Seu novo show, The Heike Story, é produzido pela Science Saru, co-fundada por Masaaki Yuasa e pelo atual chefe Eunyoung Choi. Comparado com trabalhos anteriores como os arrebatadors A Silent Voice e Liz and the Blue Bird, o estilo de The Heike Story vem com bordas mais ásperas e um visual mais freeform — o trabalho de Yamada sempre se sentiu naturalista, mas isso parece novo, talvez ainda mais exploratório. Ambientada durante o século XII, A História de Heike é baseada em O Conto do Heike, de Hideo Furakawa, a mais recente releitura de uma peça clássica e fundamental da literatura japonesa. Biwa, um órfão psíquico, é acolhida por Shigemori do poderoso Clã Taira. Biwa vê o futuro em um olho, Shigemori vê o passado em um dos seus, ambos vêem os mortos, e as previsões de Biwa levam à (muito real) Guerra genipei, que acabaria com o Clã Taira. Mas mesmo com esse poder de previsão (e retrospectiva), a questão permanece se ver ou não o futuro ajudará a evitá-lo.

Como sempre, as imagens evocativas de Yamada se comunicam mais do que o diálogo falado, aprimorando-se na linguagem corporal — close-ups de mãos e pés substituem as janelas habituais para pensamentos de personagens, e ações se tornam em pé de igualdade com suas palavras. A narrativa é um pouco mais desafiadora de se seguir com uma complexa teia de intrigas e contexto histórico de longo alcance, mas felizmente há muito para manter o espectador ancorado com seus pequenos dramas pessoais — particularmente da perspectiva de Biwa, uma jovem colocada fora dessas maquinações políticas e forçada a lidar com suas consequências emocionais, bem como o fardo de sua previsão. A série se afasta do tradicionalismo completo, no entanto, com sua deliciosa música anacrônica de Kensuke Ushio (Devilman Crybaby). O rock toca como um dos veteranos de Heike lista planos para mais poder, tons eletrônicos vêm em primeiro plano nas cenas cômicas, tons de piano suaves em outros. A partitura mais tradicional vem diageticamente, da própria Biwa enquanto ela toca seu instrumento homônimo.

7. 86

Data de lançamento: 11 de abril
Diretor: Toshimasa Ishii
Produção: A1 Pictures

Mais de 100 anos no futuro durante a guerra entre dois grupos de máquinas supostamente autônomas, 86 é imediatamente impressionante em seu compromisso perturbador com o fascismo. Baseado na série leve de mesmo nome, começa na rica república de San Magnolia, mostrando sua capital na perspectiva de Lena, uma jovem major no exército responsável por comandar um exército de máquinas contra uma legião de drones opositores. Mas os “drones” semelhantes a aranhas não são autônomos; eles são pilotados por uma subclasse oprimida de humanos referidos apenas como “86s”, um fato conhecido pelos militares, mas escondido de civis, que são despojados de todos os direitos humanos e forçados a lutar e morrer em nome da Alba, uma classe dominante monoétnica, toda com cabelos prateados e olhos azuis, fato revelado pela primeira vez em uma sequência incrivelmente estranha. É aqui que fica claro pela primeira vez como o 86 é inteligente na maneira como enfatiza a banalidade do mal, onde o despotismo é vestido como lei e aceito como o caminho do mundo. Há uma tragédia palpável em como seu elenco mais amplo de personagens em Spearhead estão plenamente cientes de seus destinos atribuídos, e tudo o que eles podem fazer é tentar atrasá-lo o maior tempo possível. Embora ela seja bem-intencionada, o idealismo de Lena ainda é fruto de privilégios, fato muitas vezes destacado pelo show tocando os mesmos momentos no tempo de suas diferentes, mas igualmente íntimas perspectivas. A primeira temporada de 86 é tão emocionante quanto trágica, intransigente em suas representações de opressão e privilégio patrocinados pelo Estado.

6. Nômade: Megalobox 2

Data de lançamento: 6 de abril
Diretor: Yō Moriyama
Produção: TMS Entertainment

Após o triunfo do Megalobox original de 2018, a solenidade de Nômade: Megalobox 2 é uma revitalização selvagem de um show que aparentemente não precisava de sequência. Uma reviravolta futurista no lendário anime Ashita no Joe, o primeiro Megalobox foi focado principalmente na vitória ou derrota no ringue de boxe, mas Nômade complica muito, muito mais as coisas. Cinco anos se passaram desde os eventos da série anterior, e nesse tempo, houve muita mudança. Joe, agora passando por Nômade, é mais uma vez um à deriva de um lugar para outro, uma morte na família deixando uma rixa entre ele e seu grupo de amigos. Embora o elenco tenha sido ligeiramente alterado, Megalobox 2 também tem grande interesse em estase temática, seus males sociais permanecem no lugar. O diretor Yō Moriyama faz algumas escolhas ousadas, já que o boxe em si é descentralizado em um grau surpreendente. À medida que se expande sobre as consequências da lacuna de riqueza de seu Japão futurista, há uma nova urgência política com a forma como lida com a retórica anti-imigração e o racismo. As consequências de um arco de partir o coração nos primeiros episódios colorem o resto da temporada, uma história comovente e oportuna que muda a perspectiva de Joe, e as apostas de Megalobox. Essa mudança também é facilitada em grande parte pelo compositor mabanua, que trouxe uma mistura emocionante de jazz e hip hop para a primeira temporada, e agora adiciona um som mais suave, inspirado na América Latina, combinando o interesse do show em momentos mais calmos de mudança pessoal sobre triunfos em ascensão. Claro, Megalobox ainda traz o drama através do retorno gradual de Joe do limite, e sua salvação emocional é tão emocionante quanto qualquer luta. Ao colocar seu herói em seu ponto mais baixo, Megalobox voltou ainda mais forte.

5. Sk8, o Infinito

Data de lançamento: 10 de janeiro
Diretor: Hiroko Utsumi
produção: Bones

Um anime esportivo original dirigido pelo ex-funcionário da Kyoto Animation Hiroko Utsumi (Banana Fish), em seu rosto, Sk8 the Infinity é partes iguais radical e ridícula, e cheio da acuidade emocional e humor suave e bem-humorado que você esperaria de alguém cuja sensibilidade visual e diretora decorreu do trabalho em K-On! e Nichijou. É cheio de cores vívidas e contrastantes e alta energia, e simplesmente muito divertido do salto, pois retrata um grupo de patinadores hardcore participando de uma competição secreta de skate em uma mina abandonada, conhecida como S. Mas encontra um terreno emocional surpreendente através da relação entre Reki Kyan, um estudante do segundo ano do ensino médio, que introduz a nova estudante de transferência Langa Hasegawa para o skate. Como o melhor anime esportivo, Sk8 the Infinity constrói uma relação interessante entre competidores e aliados, com tensão implícita entre Reki e Langa enquanto o primeiro começa a se sentir inseguro sobre a rapidez com que seu amigo próximo pega novas habilidades. Pela primeira vez, o protagonista não é preternaturalmente talentoso, e o show encontra caracterização convincente através das inseguranças de talentos conquistados cultivados através de muita prática. Skates robôs, patinadores que se vestem como matadores e ninjas, alguns elencos de voz incrivelmente bons, as inseguranças de ver alguém que você ama te superam na habilidade — é simplesmente um show fenomenal que tem tudo.

4. SSSS. Dynazenon

Data de lançamento: 2 de Abril 
Diretor: Akira Amemiya
Produção: Trigger

Unlike SSSS. “Assinatura Especial para Salvar uma Alma”, da Gridman, SSSS. Dynazenon lidera com o verdadeiro significado de seu acrônimo — “Almas Marcadas Brilham como Estrelas” — imediatamente anunciando-se como um conjunto de cinco adolescentes se unindo para formar o robô gigante homônimo, lutando contra monstros convocados por outro grupo de adolescentes chamados Kaiju Eugenistas. (Também nasce de extrema especificidade, episódio 18 do Gridman original: O Hiper Agente.) Dynazenon se passa no mesmo universo de Gridman, e aborda isso através de replicar estranhamente o enquadramento das cenas, até trazendo de volta alguns de seus personagens. Não é apenas o serviço de fãs, como dynazenon slyly dá um significado adicional para reinterpretar as mesmas imagens e enquadramento, e até cutuca diversão em suas próprias convenções. Basta olhar para a partitura, onde o compositor evangelion Shiro Sagisu ajuda a construir o espetáculo maximalista do show a partir de apenas um punhado de remixes de gênero da mesma música. (Vale a pena notar que o Trigger foi formado por ex-funcionários da Gainax que trabalharam na NGE.)

Dynazenon é tão lindamente animado quanto seu antecessor, frequentemente deslumbrante nos momentos calmos e barulhentos, mostrando um grande interesse em explorar por que Dynazenon é uma salvação para seus adolescentes solitários, e não esmaga essas narrativas com sua ação. Os designs reconhecíveis do Studio Trigger brilham por toda parte, os desenhos elegantes de personagens contrastando com o blocky, robô transformador semelhante a brinquedos (que é, apropriadamente, convocado com figuras de ação). Está tudo a serviço de uma carta de amor animador para os shows de Toku — tanto que eles fizeram shorts live-action tokusatsu para o lançamento do Blu-ray. O entusiasmo vertiginoso do diretor pelos espetáculos de sua juventude é completamente contagioso, a inteligência emocional de sua narrativa triunfante e a qualidade de seus visuais coloca Dynazenon entre os animes mais emocionantes dos últimos anos. Tragam Gridman X Dynazenon.

3. Odd Táxi

Data de lançamento: 6 de abril
Diretor: Baku Kinoshita
Produção: OLM, P.I.C.S.O

O taxista Odakawa, uma morsa abandonada por sua família quando criança, prefere manter-se a si mesmo, mesmo que ele transporta uma série de passageiros estranhos por todas as noites. Mas ultimamente, cada conversa de carro de alguma forma leva a uma garota desaparecida. Misturando comédia e mistério tortuoso, Odd Taxi (baseado no mangá de Kazuya Konomoto, que também escreveu o show) está profundamente preocupado com o negócio confuso de se abrir para relacionamentos com outros, com compulsões modernas e esforços fúteis. Isso inclui fandom, a falta de fama ou infâmia viral, e o vício em jogos gacha em um episódio de destaque. Através das viagens de Odakawa, os interesses modernos de seus passageiros são desconstruídos com um divertido, mas atencioso desprendimento, desde os vários perigos do espaço online até as explorações da indústria de ídolos. Ao mesmo tempo, ele lentamente desenrola seu mistério central com consequências surpreendentes e hilárias (um pagamento com capoeira é especialmente satisfatório).

É tudo inteligentemente escrito, com conversas naturalistas e secamente engraçadas, e o excelente trabalho de tradução é vital para manter a cadência de suas pequenas piadas e brinca com palavras, até traduzindo o rap constante de um personagem para que ele ainda rima em inglês. A animação em si é sutil e o cenário tem um visual adorável e texturizado que concede a cada cena um grão de baixo para a terra para ir com o fascínio corrompetivo da cidade à noite, e a narrativa noir duramente fervida e frequentemente sinistra de Odd Taxi. As aparências fofas de seu elenco animal não estão realmente a serviço de alegoria; esses olhares simplesmente encarnam seus respectivos personagens ou servem como contrastes com seus eus interiores, e essas escolhas de design e muitas outras se encaixam perfeitamente com sua escrita. Odd Taxi tece todos esses elementos e seus intrincados fios de enredo em uma conclusão surpreendente que recontextualiza como você percebe o show como um todo.

2. Sonny Boy

Data de lançamento: 2 de Julho
Diretor: Shingo Natsume
Produção: Madhouse

A conceito riffing no mangá de terror de Kazuo Umezu Drifting Classroom (algo que ele winkingly reconhece mais de uma vez), Sonny Boy começa a dirigir a direção de Senhor das Moscas muito rápido. No meio de uma lentas férias de verão, uma classe do ensino médio entrou em outra dimensão e os alunos desenvolvem superpoderes estranhos potencialmente ligados ao seu novo status como náufragos interdimensionais. A partir daí, o enredo fica denso; A apresentação de Shingo Natsume do show é escorregadia e obtusa, seu primeiro episódio literalmente virando seu próprio mundo de cabeça para baixo (e de dentro para fora). As leis em constante mudança, visuais inesperados e estranhos — transformando-se em formas de outro mundo a qualquer momento, de um aluno quebrando a tela em vidro rachado, ou dobrando a escola em um pesadelo escher-esque — fazem Sonny Boy galvanizar e imprevisível sem segurar a mão para guiá-lo através do que exatamente está acontecendo.

Há muita coisa que diferencia Sonny Boy de seus contemporâneos — seu uso esparso, mas extremamente eficaz da música, para começar. Não há créditos de abertura alegres ou espaço para se preparar para cada episódio; ele meio que se desdobra, sem limites da mesma forma que é uma história interdimensional. Essa mistura de angústia adolescente, filosofia e estilo freeform lembra Masaaki Yuasa, uma espécie de mentor de Shingo Natsume, que trabalhou na série de Yuasa da mesma forma trippy The Tatami Galaxy (além disso, Natsume está atualmente aproveitado para dirigir a próxima sequência da Galáxia tatami). Apesar dessas influências claras, é um show idiossincrático — um que parece que só poderia ter sido feito por essa equipe, neste momento. Mais do que uma viagem de cabeça muito animada, Sonny Boy é um dos shows mais legais do ano.

1. Ranking of Kings

Data de lançamento: 15 de outubro
Diretor: Yōsuke Hatta, Makoto Fuchigami
Produção: Wit Studio

Baseado no mangá por Sōsuke Tōka, Ranking of Kings conta a história de Bojji, um jovem príncipe corajoso que deve superar um mundo que não consegue ver seu valor por causa de noções preconcebidas em torno de sua surdez e falta de proezas físicas. O entendimento não dito entre Bojji e a sombra agressiva e cínica Kage é surpreendentemente cativante, como um dos únicos personagens que não simplesmente tem pena de Bojji, e tenta realmente fazer o esforço para se comunicar com ele em vez de exigir que ele trabalhe ao seu redor. As lições sobre a força do coração que supera a força do braço são familiares, mas é a maneira de classificação da apresentação de King que se sente sublime, inclinando-se fortemente na comunicação visual sobre a habitual narração didática, jogo a jogo que muitos animes podem ficar atolados. Essa decisão também é realizada em grande estilo: Sua brincadeira com perspectiva e desenhos fofos, estilo livro de histórias contrastados por linhas volumosas e pastéis suaves imediatamente fazem uma impressão impressionante, como se o show fosse uma fábula ganhando vida. A qualidade consistente da animação é tanto cartunesco elástico nos movimentos de seus personagens quanto nuances, desde a mola flutuante no passo do surdo e mudo Príncipe Bojji até as várias nuances das expressões dos personagens. A história em si é única e cativante, preocupada com o estigma social e a falta de compreensão em relação à deficiência muitas vezes negligenciada na TV em geral, especialmente dentro de um cenário de fantasia como este. Com suas várias idiossincrasias ligadas a uma história vencedora e incrivelmente comovente, Ranking of Kings é facilmente o melhor do ano, vale a pena procurar se você é um fã de anime ou não.